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sábado, 4 de junho de 2011

PINTORES:Aleijadinho;Piet Mondrian (Holanda, 1872-1944)

Origens e Características do Barroco 


O barroco foi uma tendência artística que se desenvolveu primeiramente nas artes plásticas e depois se manifestou na literatura, no teatro e na música. O berço do barroco é a Itália do século XVII, porém se espalhou por outros países europeus como, por exemplo, a Holanda, a Bélgica, a França e a Espanha. O barroco permaneceu vivo no mundo das artes até o século XVIII. Na América Latina, o barroco entrou no século XVII, trazido por artistas que viajavam para a Europa, e permaneceu até o final do século XVIII.

Contexto histórico 

 
O barroco se desenvolve no seguinte contexto histórico: após o processo de Reformas Religiosas, ocorrido no século XVI, a Igreja Católica havia perdido muito espaço e poder. Mesmo assim, os católicos continuavam influenciando muito o cenário político, econômico e religioso na Europa. A arte barroca surge neste contexto e expressa todo o contraste deste período: a espiritualidade e teocentrismo da Idade Média com o racionalismo e antropocentrismo do Renascimento.
Os artistas barrocos foram patrocinados pelos monarcas, burgueses e pelo clero. As obras de pintura e escultura deste período são rebuscadas, detalhistas e expressam as emoções da vida e do ser humano.
A palavra barroco tem um significado que representa bem as características deste estilo. Significa " pérola irregular" ou "pérola deformada" e representa de forma pejorativa a idéia de irregularidade.

O período final do barroco (século XVIII) é chamado de rococó e possui algumas peculiaridades, embora as principais características do barroco estão presentes nesta fase. No rococó existe a presença de curvas e muitos detalhes decorativos (conchas, flores, folhas, ramos). Os temas relacionados à mitologia grega e romana, além dos hábitos das cortes também aparecem com freqüência. 

BARROCO EUROPEU




As obras dos artistas barrocos europeus valorizam as cores, as sombras e a luz, e representam os contrates. As imagens não são tão centralizadas quanto as renascentistas e aparecem de forma dinâmica, valorizando o movimento. Os temas principais são: mitologia, passagens da Bíblia e a história da humanidade. As cenas retratadas costumam ser sobre a vida da nobreza, o cotidiano da burguesia, naturezas-mortas entre outros. Muitos artistas barrocos dedicaram-se a decorar igrejas com esculturas e pinturas, utilizando a técnica da perspectiva.
As esculturas barrocas mostram faces humanas marcadas pelas emoções, principalmente o sofrimento. Os traços se contorcem, demonstrando um movimento exagerado. Predominam nas esculturas as curvas, os relevos e a utilização da cor dourada.
O pintor renascentista italiano Tintoretto é considerado um dos precursores do Barroco na Europa, pois muitas de suas obras apresentam, de forma antecipada, importantes características barrocas.
Podemos citar como principais artistas do barroco: o espanhol Velásquez, o italiano Caravaggio, os belgas Van Dyck e Frans Hals, os holandeses Rembrandt e Vermeer e o flamengo Rubens.


BARROCO NO BRASIL

O barroco brasileiro foi diretamente influenciado pelo barroco português, porém, com o tempo, foi assumindo características próprias. A grande produção artística barroca no Brasil ocorreu nas cidade auríferas de Minas Gerais, no chamado século do ouro (século XVIII). Estas cidades eram ricas e possuíam um intensa vida cultura e artística em pleno desenvolvimento.

O principal representante do barroco mineiro foi o escultor e arquiteto Antônio Francisco de Lisboa também conhecido como Aleijadinho. Suas obras, de forte caráter religioso, eram feitas em madeira e pedra-sabão, os principais materiais usados pelos artistas barrocos do Brasil. Podemos citar algumas obras de Aleijadinho: 
Os Doze Profetas e Os Passos da Paixão, na Igreja de Bom Jesus de Matozinhos, em Congonhas do Campo (MG).

Outros artistas importantes do barroco brasileiro foram: o pintor mineiro Manuel da Costa Ataíde e o escultor carioca Mestre Valentim. No estado da Bahia, o barroco destacou-se na decoração das igrejas em Salvador como, por exemplo, de São Francisco de Assis e a da Ordem Terceira de São Francisco.
No campo da Literatura, podemos destacar o poeta Gregório de Matos Guerra, também conhecido como "Boca do Inferno". Ele é considerado o mais importante poeta barroco brasileiro. 
Outro importante representante da Literatura Barroca foi o padre Antônio Vieira que ganhou destaque com seus sermões.




     Aleijadinho
                                                                     

Nome completo     Antônio Francisco Lisboa
Nascimento     C. 29 de agosto de 1730 ou, mais provavelmente, 1738
Ouro Preto
Morte     18 de novembro de 1814
Ouro Preto
Nacionalidade     Brasil Brasileiro
Ocupação     Escultor, entalhador, arquiteto
Movimento estético     Barroco e Rococó

           Antônio Francisco Lisboa, mais conhecido como Aleijadinho, (Ouro Preto, c. 29 de agosto de 1730 ou, mais provavelmente, 1738 — Ouro Preto, 18 de novembro de 1814) foi um importante escultor, entalhador e arquiteto do Brasil colonial.

Pouco se sabe com certeza sobre sua biografia, que permanece até hoje envolta em cerrado véu de lenda e controvérsia, tornando muito árduo o trabalho de pesquisa sobre ele e ao mesmo tempo transformando-o em uma espécie de herói nacional. A principal fonte documental sobre o Aleijadinho é uma nota biográfica escrita somente cerca de quarenta anos depois de sua morte. Sua trajetória é reconstituída principalmente através das obras que deixou, embora mesmo neste âmbito sua contribuição seja controversa, já que a atribuição da autoria da maior parte das mais de quatrocentas criações que hoje existem associadas ao seu nome foi feita sem qualquer comprovação documental, baseando-se apenas em critérios de semelhança estilística com peças documentadas.

        Toda sua obra, entre talha, projetos arquitetônicos, relevos e estatuária, foi realizada em Minas Gerais, especialmente nas cidades de Ouro Preto, Sabará, São João del-Rei e Congonhas. Os principais monumentos que contém suas obras são a Igreja de São Francisco de Assis de Ouro Preto e o Santuário do Bom Jesus de Matosinhos. Com um estilo relacionado ao Barroco e ao Rococó, é considerado pela crítica brasileira quase em consenso como o maior expoente da arte colonial no Brasil e, ultrapassando as fronteiras brasileiras, para alguns estudiosos estrangeiros é o maior nome do Barroco americano, merecendo um lugar destacado na história da arte do ocidente







  Piet Mondrian  (Holanda, 1872-1944)


              Piet Mondrian, Pieter Cornelis nome original Mondriaan (nascido em 7 de março de 1872, Amersfoort, Neth.-morreu 01 de fevereiro de 1944, New York, NY, EUA), pintor que foi um líder importante no desenvolvimento da moderna arte abstrata e um maior expoente do movimento de arte abstrata holandês conhecido como De Stijl ("O Estilo"). Em suas pinturas maduro, Mondrian usou as mais simples combinações de linhas retas, ângulos retos, cores primárias , e preto, branco e cinza.     As obras resultantes possuem uma extrema pureza formal que incorpora a crença espiritual do artista em um cosmos harmonioso.
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                                  Molino al sol (1911)

                  Descripción: Óleo sobre tela. 114 x 87 cm.
                Localización: Gemeentemuseum. La Haya
                               Autor: Piet Mondrian




                     Composición en Gris - Azul (1913)
        Descripción: Óleo sobre lienzo. 79,5 x 63,5 cm.
                Localización: Museo Thyssen-Bornemisza
                             Autor: Piet Mondrian



                                   Cuadro nº 2 (1925) 
                 Descripción: Óleo sobre tela. 75 x 65 cm.
                  Localización: Colección Max Bill. Zurich
                          Autor: Piet Mondrian
                            
                            




                            Composición VII (1913)
        Descripción: Óleo sobre lienzo. 104,4 x 113,6 cm.
     Localización: Guggenheim Museum. Nueva York
                               Autor: Piet Mondrian





                                New York City (1942)        
Óleo sobre tela. 120 x 144 cm.
     Localización: Colección Harry Holtzman. Nueva York
                              Autor: Piet Mondrian


                   Bodegón con jarra de jengibre II (1912)
             Descripción: Óleo sobre lienzo. 95,2 x 120 cm.
           Localización: Guggenheim Museum. Nueva York
                         Autor: Piet Mondrian    


ARTE ABSTRATA
            Arte abstrata, também chamada de arte não objetiva ou arte não-representacional, Abstract painting by Willem de Kooning, 1949. [Credit: G. Dagli Orto/DeA Picture Library] pintura, escultura ou artes gráficas em que o retrato das coisas do mundo visível não desempenha nenhum papel. Toda a arte consiste em grande parte dos elementos que pode ser chamado abstrato-elementos de forma, cor, linha, tom e textura. Antes do século 20 estes elementos abstratos foram empregados pelos artistas para descrever, ilustrar, ou reproduzir o mundo da natureza e da civilização humana e exposição dominado sobre a função expressiva.
          A arte abstrata tem suas origens no século IX. O período caracteriza-se por tão vasto corpo de  arte representacional produzida por uma questão de ilustrar anedota também produziu uma série de pintores que examinaram o mecanismo de percepção luminosa e visual. O período do Romantismo tinha proposto idéias sobre arte que negou ênfase classicismo sobre imitação e idealização e tinha destacado o papel da imaginação e do inconsciente como os fatores essenciais criativo. Pintores gradualmente muitos deste período começaram a aceitar a nova liberdade e novas responsabilidades implícitas na coalescência dessas atitudes. Maurice Denis 's declaração de 1890, "Deve ser lembrado que uma imagem antes de ser um cavalo de guerra, um nu, ou uma anedota de algum tipo, é essencialmente uma superfície plana coberta de cores reunidas numa certa ordem", resume o sentimento entre os artistas simbolistas e pós-impressionista do seu tempo.
             Todos os movimentos principais das duas primeiras décadas do século XX, incluindo Fauvismo, Expressionismo, Cubismo, Futurismo e, de alguma forma enfatizou a diferença entre arte e aparências naturais.
               Há, no entanto, uma distinção profunda entre abstraindo das aparências, mesmo ao ponto de unrecognizability, e fazendo obras de arte a partir de formas não extraídas do mundo visível. Durante os quatro ou cinco anos que precederam a Primeira Guerra Mundial , artistas como Robert Delaunay , Wassily Kandinsky , Kazimir Malevich e Vladimir Tatlin voltou-se para a arte abstrata fundamentalmente. (Kandinsky é geralmente considerado como tendo sido o primeiro artista moderno a pintar quadros puramente abstratos que não contenham objetos reconhecíveis, em 1910-11.) A maioria, mesmo dos artistas progressiva considerado o abandono de todos os graus de representação com desfavor, no entanto. Durante a I Guerra Mundial o surgimento do grupo Stijl de nos Países Baixos e do grupo Dada em Zurique ainda ampliou o espectro da arte abstrata.

              A arte abstrata não floresceu entre Primeira Guerra Mundial e II. Assolada pela política totalitária e por movimentos de arte colocando ênfase renovada em imagens, como o surrealismo e Realismo de crítica social, recebeu pouca atenção. Mas depois da Segunda Guerra Mundial uma escola energético americana da pintura abstrata chamada expressionismo abstrato emergiu e teve grande influência. 
            Desde a arte abstrata 1950 tem sido uma abordagem aceita e amplamente praticada dentro de pintura européia e americana e escultura. A arte abstrata tem intrigado e, na verdade confundido muitas pessoas, mas para aqueles que aceitaram a sua linguagem não referencial, não há dúvida quanto ao seu valor e realizações.









PABLO  PICASSO

                                                                             




Pablo Picasso (1881 - 1973) começou a pintar quando tinha oito anos de idade. Como muitas crianças que ele iria fazer desenhos, mas estes eram muito diferentes.                      
       A partir da idade de cinco em diante, Pablo iria ficar tirando lições na escola, em Málaga. Crianças eram ensinadas a fazer desenhos com base em simples formas geométricas,ao qual foi adicionado mais detalhes até que tivesse uma imagem exata do assunto. Esta abordagem sistemática à arte , iria desenvolver notável senso  quanto ao espaço e a geometria e estabelecer uma base para a facilidade com que ele viria a ser capaz de caracterizar um objeto com uma única linha. Self-portrait with uncombed hair, 1896
Auto-retrato de 1896.



           Como o pai de Picasso era um professor de arte, ele iria assumir o controle total da educação de Pablo no art. Ele deu-lhe lições e mandou para as escolas onde ele estava trabalhando como professor a si mesmo. Como tal, o pai de Picasso era onipresente na vida de Pablo, tanto em casa quanto na escola. Surpreendentemente, em seus dois primeiros grandes pinturas, A Primeira Comunhão (1896) e da Ciência e Caridade (1897), Pablo inclui o retrato (e sem inspiração) de seu pai.






                                                                            






          Sua mãe, Dona Maria era da Andaluzia e de descendência árabe. Pablo tinha duas irmãs mais novas: Dolores, ou Lola (1884 - 1958) e Concepción (1887 - 1891), chamada Conchita, este último morreu na idade de quatro. Pablo começaria a assinar suas obras com Pablo Ruiz (depois de seu pai), mas a partir de 1900 ele iria usar o sobrenome de sua mãe: Picasso.













          Relação de Picasso com os seus pais tornaram-se tensas quando ele parou seus estudos.
           Picasso abandonou a escola em Madri  porque ele pensou que não tinha nada para aprender mais, mas porque os professores em Madrid não poderia ajudá-lo a resolver os problemas técnicos que ele tinha. Foi o objetivo Picasso é jovem para se tornar um pintor clássico, como Velasques ou Rembrandt , mas não importa o quão bom ele foi para um dezesseis anos de idade, ele não poderia.
  Para um gênio, sua habilidade natural para organizar os detalhes de uma pintura de tal forma que contribuisse para a pintura como um todo, foi bastante limitada. Essa é uma razão pela qual nunca Picasso produziu uma "grande obra", uma obra extraordinária que se destacasse ,acima de tudo, a apreciar Picasso como  mestre tem que olhar para sua obra como um todo.
     Seu pensamento crítico e poder único para analisar a arte estava mostrando já na idade de dezesseis anos quando ele percebeu que não teria progresso em Madrid. Sua decisão de parar seus estudos resultou em uma grave crise para o jovem Picasso, cuja educação sempre foi guiada, e sua arte alimentada, por seu pai. Ele ficou gravemente doente com escarlatina, passou 40 dias em quarentena e, em seguida, a partir do Verão 1898 a primavera de 1899, ele ficaria com Manuel Pallares em Horta de Ebro.
Para o jovem Picasso estava em Paris para "nonsense modernas, como pontilhismo", como ele diria. Seu retorno ao Barcelona era uma questão de conveniência, como ele tinha ligações nem em Munique, nem Paris, mas ele logo estaria imerso na cena do Barcelona vanguarda artística. Há, entre outras coisas, ele estaria exposto para a arquitetura maravilhosa de Antoni Gaudi.
       Gaudi teria uma chance como um arquiteto, uma coisa que é, provavelmente, só possível em Barcelona. E assim Picasso foi exposto ao mundo de Gaudi da imaginação sem fim, que,seria estabelecer uma base para a vitalidade do estilo de Picasso, como veio a ser, e a transição de "Picasso tradicionalista o" em "Picasso, o Grande inovador ". As formas orgânicas, que hoje associamos com Picasso, foram devido a Gaudi.
     Claro que havia mais coisas acontecendo em Barcelona que apenas Gaudi. Picasso teria freqüentado o café "Els Quatre Gats" (os quatro gatos), que era um lugar de encontro de artistas de vanguarda. Lá ele fez amizade com artistas que visitavam regularmente Paris para trabalhar, um exemplo que Picasso seguiu. Entre 1900 e 1904 (quando ele finalmente se estabeleceu em Paris), ele comuta entre Barcelona e Paris, juntamente com seus amigos de Els Quatre Gats.










           Entre 1899 e 1900, o estilo de Picasso mudou radicalmente, a partir de seu estilo, muito seco anterior (visto pela última vez em pinturas como o Retrato de Josep Cardona e a janela é fechada, ambos de 1899) a um estilo particularmente romântico.


                                                                              



        A partir daí, o Picasso que conhecemos hoje começou a florescer, totalmente absorvendo todos os estilos predominantes de seu tempo, resultando em obras de arte que lembram de Toulouse-Lautrec e Van Dongen, em particular. Já como um adolescente, Picasso tinha a técnica apropriada para qualquer estilo, e o discernimento para saber quais estilos foram importantes.
Le Moulin de la Galette, 1900
Moulin de la Galette, 1900


                                                                          

         Em 1900, Picasso começou seu primeiro estúdio em Montmarte, Paris, junto com seu amigo e artista Carlos Casagemas, a quem ele conheceu em Barcelona. O que um impacto da metrópole francesa teve na impressionável jovem Picasso é claramente visto em pinturas produzidas em seus dois primeiros anos em Paris. Em 1900, Picasso se aplicar uma técnica de pintura a óleo que é um pouco embaçada e lembra de suaves tons pastel. Sua fascinação com o mundo do entretenimento e da vida noturna de Paris, em particular, é óbvio em "Dancer in Blue". A técnica da pintura borrada contribui para a ilusão de movimento, nesta pintura.
                                    La Nana, 1901     




                                          
                                           "Dancer in Blue"       

                    Picasso já havia se familiarizar com o trabalho de Henri de Toulouse-Lautrec, enquanto em Barcelona, ​​que pode ser claramente visto em desenho de Picasso de menu de Els Quatre Gats " (veja acima à direita). A linha é "Lautrec-esque" e até mesmo as cores são muito semelhantes ao do projeto Lautrec cartaz famoso "Le Divan Japonais".
                 Como o jovem Picasso, Lautrec foi um participante ávido e pintor da vida nocturna de Paris, inspirando Picasso para a pintura "Le Moulin Galette", que em grande estilo é uma homenagem a Lautrec, que também pintou o estabelecimento parisiense chamado Le Moulin Galette.
                Em 1901, Picasso deixou cair a técnica de pintura borrada em favor de uma técnica que é conhecida como divisionismo. Signac tinha introduzido divisionismo aos impressionistas, na forma de pontilhismo, o que resultou em pinturas consistindo de pequenos pontos (pontas de pincel) de cor pura.
La margot, 1901
Margot de 1901

                                                                   
             Van Gogh introduziu uma espécie de divisionismo em que uma imagem seria decomposta em cursos curso escova de cor pura, de modo que cada pincelada o teria próprio caráter. Eventualmente, esta abordagem resultaria em um estilo chamado expressionismo, em que Picasso experimentou em 1901 (antes do termo expressionismo seria realmente ter sido inventado).
            Em 1900 e 1901, Picasso começou a pintar artistas de circo. O significado político-social desta é elaborado em, no site do período subiu páginas, mas por enquanto podemos notar que a pintura à margem da sociedade foi uma forma de Picasso para romper com a arte tradicional, em que as classes média-alta ou alta sociedade Esperava-se o assunto.
Arte moderna
            Quando, aos 16 anos, a Academia de Belas Artes de Madrid não conseguiu melhorar seus padrões, e continuar seus estudos em Munique não foi uma opção, o jovem Picasso chegou a um beco sem saída. Na arte moderna que iria encontrar uma maneira de usar seus pontos fortes: sua imaginação, o sentido da poesia e da sua capacidade de detectar as inovações artísticas e incorporá-las em seu trabalho. Quando ele passou a maior parte de seu tempo em Paris, entre 1900 e 1904, ele teve alguns anos difíceis, sem ganhar o suficiente de sua arte, mas não havia como voltar atrás: Picasso "foi o menino-gênio que tinha crescido desinteressado na arte clássica".

PEÍODO AZUL

          Período Azul de Pablo Picasso, refere-se a uma série de pinturas em que a cor azul domina e que pintou entre 1901 e 1904. O período azul é uma expressão maravilhosa de sutileza poética e melancólica pessoal e contribui para a transição do estilo de Picasso do classicismo à arte abstrata.

          Como um dos fundadores da arte abstrata moderna, Pablo Picasso é geralmente associado com o cubismo e estilos relacionados que são predominantemente abstrato. Portanto, é essencial perceber que no momento do período azul de Picasso, a arte abstrata como a conhecemos hoje ainda não existia. Como um homem 20 anos de idade Pablo Picasso foi um pintor clássico realizado, mas como muitos jovens artistas de sua época, ele estava insatisfeito com os dogmas da arte tradicional. Antecessores, como Cézanne e os impressionistas tinham mostrado como partidas do classicismo pode resultar em uma linguagem mais direta visual. E, em grande medida Picasso e seus contemporâneos estavam experimentando o choque depois de uma erupção artístico chamado Vincent Van Gogh, que hurdled um mundo da arte espantado para o século 20 e para a arte abstrata.
        Inspirado por uma tradição que tinha crescido suspeitos do classicismo, o período azul marca o fim de um desenvolvimento em que o jovem Pablo Picasso é tentar formular seus meios pictórico que resolver os problemas e limitações do classicismo e acabaria por culminar com o cubismo e as primeiras passos para a arte abstrata moderna.


                                                                       





                A morte da pintura Casagemas testemunha de choque de Picasso e horror sobre o suicídio de seu amigo. No sentido de Picasso lidar com seu trauma esta pintura pertence ao período azul, mas ele não tem a atmosfera de resignação e luto silencioso que suas pinturas azuis teria.



                          A morte de Casagemas                  





  



Evocação









                            Mateu Fernandez de Soto                                                    
                                                                    
                                                                              
 



              Duas irmãs (da reunião)                     
                                              

                                                                             
           
                                                                                 
     



O BEBEDOR DE ABSINTO


                                                                


   RETRATO  JAIME  SABARTÊS














          Embora a melancolia do período azul de Picasso foi sincero, o povo que pintou tem um elemento de pathos e melodrama. A razão para o mito de artista starving ter se tornado tão popular, é que os intelectuais e artistas no início do século XX gostaria de ver-se como tal. Para eles, um artista era um outsider social por definição e que iria entrar em depressão cultivadas e romantizar seu próprio martírio suposto. Típico disso é o comentário do amigo de Picasso e poeta Rainer Maria Rilke, quando viu a pintura de Picasso os acrobatas (família de Saltimbanques) :

    Mas que, diga-me, são esses andarilhos, que são ainda mais fugitivo do que nós ...
                                                                         VIDA  
 
               Este tema retorna em uma das últimas pinturas de Picasso período azul, chamado Vida. Casagemas havia filmado a si mesmo em um café parisiense, depois de ter sido recusado por uma mulher que estava no amor com. A pintura mostra a vida Casagemas, novamente com um amante e uma mãe com criança, mas desta vez mostra um Picasso Casagemas que está vivo, os rostos da companhia de pessoas ainda melancólico, mas a perna esquerda de Casagemas pisando para a frente e um dedo apontando à esquerda para cima, mostrando uma Casagemas invicto. Parece que a sua pintura marca o fim do trauma de Picasso e seu período azul. O tema principal de ambos os Evocação - o enterro de Casagemas e Vida é que eles contêm os melhores votos de Picasso por seu amigo e pode estar relacionada com a razão do suicídio Casagemas ": em ambas as pinturas Casagemas está rodeada por amantes e família que Picasso teria desejei-lhe.


                 Período Rose  (1904 - 1906)

      Enquanto período azul de Pablo Picasso é muito mais popular com o público em geral, hoje, seu Período Rosa é de maior importância da história da arte. Durante seu período Rose, Pablo Picasso seria, pela primeira vez em sua carreira, desenvolver meios estilísticos que se tornariam parte de seu estilo Picasso, que fez dele o artista mais importante do século XX.

       O Período Rosa começou em 1904, ano em que Picasso alternados pinturas no estilo "azul", de cor escura (muitas vezes azulado) e downbeat, com pinturas feitas em seu "estilo de rosa", que são um pouco mais otimista no humor e brilhantes coloridos (muitas vezes usando a cor rosa). Assim, 1904 é um ano de transição e não pertence nem verdadeiramente para o período azul, nem para o período de rosa.
       Então, em 1904, obra de Picasso recupera sua qualidade romântico em uma série de pinturas em cores mais quentes, muitos deles na cor rosa. Picasso nas pinturas do Período Rosa ainda mostram resignação, mas não luto e, enquanto suas pinturas do período azul parecem servir para a tristeza expressa de Picasso, seu estilo no Período Rosa começa a levar uma vida própria, dentro do espírito artístico de seu tempo: não é o assunto e seu conteúdo que mais importa, mas a própria pintura. Picasso continua a experimentar em um estilo que torna seus súditos anônimos, resultando em uma matriz artística de uma pessoa, ao invés de uma pessoa. Ver, por exemplo Sentado Female Nude (1905). O tipo de pessoa é reconhecível, não a pessoa em si. O assunto é caracterizada, não é retratado. Isso, embora seja um passo na direção da arte abstrata, não é característica mais importante do período de Picasso Rose.

                                                                            

                                                          Girl in Chemise                            
                                                         



                                                             Mulher com corvo                             


                                              Sentado nu feminino                      

                                 
                                         Família de acrobatas com macaco                                  


                                                      
            Boy with pipe, 1905
               Menino com cachimbo 
                        
          De maio de 2004 até junho de 2006 o quadro mais caro do mundo foi "Menino com cachimbo" (1905, 104 milhões dólares). Esta pintura mostra, mas poucos sinais do processo acima mencionados e, portanto, na opinião deste autor não uma pintura Período muito importante Rose. Em vez disso, respostas para a moda sissy-boy da década de 1990 e o alto preço da pintura pode ser interpretado nesse  
contexto.
              Um aspecto do romantismo do século IX é que os artistas eram vistos como subvalorizada, párias sociais e mártires de refinamento cultural, um tema sobre o qual Picasso elabora durante seu período Rose. Contemporâneos o Picasso se referem a seu "Arlequim" período, como Picasso começa a usar artistas de circo como sua principal fonte de inspiração. No século IX, o artista de circo vai simbolizar o artista em geral e seu martírio, em particular. Escarnecido e marginalizados pela sociedade, o artista de circo iria realizar com orgulho e earnesty, na dedicação à sua arte.
The actor, 1904
O ator
De acordo com romantismo século IX (que iria encontrar a ampla aceitação) não houve diferença de princípio entre um palhaço de circo e um artista plástico, na maneira que deu seu martírio artístico. De fato, um grande avanço comercial de Picasso ocorreu quando Clovis Savigot, um ex-palhaço de circo que tinha começado uma galeria de arte em Paris, começou a apresentar obra de Picasso, possivelmente atraídas por pinturas de Picasso de artistas de circo. Através da galeria Savigot, Picasso entrou em contato com Leo e Gertrude Stein, que se tornaria importantes colecionadores de arte vanguardista. 


                                           Acrobat com jovens harelequin                                


        O ator 

                                        

        Harlequin com vidro

          Durante seu período Rose, Picasso se tornaria um sucesso comercial e mais tarde em sua vida, ele teria principalmente adotado uma postura anti-intellecual, interrompida por flertes recorrente com a extrema esquerda (que no mundo da arte não era nada fora do comum). Picasso poderia ter - mas não aspirar a - tornar-se um pintor da sociedade no sentido clássico, mas encontrou nos artísticas emergentes avant-garde uma alternative ao mundo da arte mainstream. Mas, segundo alguns (como o seu protegido Joan Miro), ele  adaptou seu estilo para os desejos dos potenciais compradores, magistral como ele estava em equilíbrio artístico com necessidades comerciais.


 Período negro


         Período negro de Pablo Picasso, também conhecido como époque negre ou período negro, refere-se aos anos 1906 e 1907, em que Picasso cai sob a influência da arte Africano, no qual ele baseia numa série de desenhos, pinturas e esculturas em madeira que levaria à criação de sua obra seminal Les Demoiselles d'Avignon .                             
                        Les Demoiselles d'Avignon                     

          Picasso teria sempre uma estética no coração, mas de vez em quando o seu desejo de inovar fez o estruturalista nele superfície, muitas vezes resultando em efeitos chocante. Sua ambição artística era tal que ele suportou longos períodos de dificuldades pessoais, a fim de ser capaz de inovar e superar seus colegas mais conservadores. Como Van Gogh encontrou um catalisador na arte japonesa, Picasso ficou sob o encanto da arte Africano e usou seu poder primitivo para sacudir o seu maneirismo classicista que não oferecia possibilidades para inovar.

      Auto-retrato de 1907

       Nu feminino (Estudo para 'Les Demoiselles d'Avignon'       
                       Em grande parte, período negro de Picasso foi uma reação contra o comércio de arte mainstream. Durante seu período de rosa , Picasso tinha o espectáculo de expressões de elegância parisiense (pinturas que hoje são mais populares do que o cubismo), mas então o moderação francesa tem muito em seus nervos que ele iria invocar os totens da África e um bordel em Avignon para pintar as Demoiselles (d'Avignon). A superficialidade do impressionismo (como ele a percebia ¹ ) tornou-se grito de batalha Picasso e até dia de sua morte Picasso iria atacar até mesmo os grandes Monet.
Período de Picasso Rose tinha garantido a ele uma vida estável, mas fazer cenas esteticamente agradável sociedade parisiense tinha ferido o seu orgulho como um artista e um homem. Sua Período Negro se tornaria um traço louco para integridade artística, algo que ele valoriza, acima de tudo.
Female nude (The dancer of Avignon)
Nu feminino (A dançarina de Avignon)
Durante uma má experiência com haxixe e ele ficou histérico e gritou que ele "queria se matar porque ele tinha mais nada para aprender, que um dia um muro impediria o seu desenvolvimento e evitar que o seu entendimento de penetrar nos segredos da arte que ele queria fazer novo e fresco " ¹ . A partir daí que ele iria fazer arte que era "bien couillarde" (bolas tinha).
                 Um dos maiores medos de Picasso era para ser inadequada como artista. Ele reverenciado Cézanne para a "ansiedade" que o seu trabalho expressa, uma ansiedade, possivelmente causada por uma capacidade limitada de Cézanne técnicos, um problema que ele resolveu por uma série de inovações estruturais, o que inspirou Picasso a fazer o mesmo. "Para Cézanne, a pintura era uma questão de vida ou morte", segundo Picasso.

                 Estudo para Les Demoiselles d'Avignon, nu feminino

            Estudo para Les Demoiselles d'Avignon, aquarela



                                                     Busto de mulher, 1907                                                

            Estudo para Les Demoiselles d'Avignon, lápis e pastéis





 
     Estudo para Les Demoiselles d'Avignon, cabeça da mulher






 Estudo para Les Demoiselles d'Avignon, The Sailor, 1907


                   Nude with drapery (The dance of veils)
                   Nu com a roupagem (A dança dos véus)




   Busto de mulher (Estudo para 'Les Demoiselles d'Avignon')



                                   Mulher,1907


                         
                        Mulher em amarelo, 1907
                  
                                          
                   Les Demoiselles d'Avignon, 1907                 



  Busto de marinheiro ou mulher (Estudo para 'Les Demoiselles d'Avignon')


                    Nu feminino (A dançarina de Avignon)





  La Bande à Picasso




       La Bande à Picasso se refere ao círculo de amigos de Picasso que formaram durante a primeira década do século 20. O núcleo de La Bande foi formado (além de o próprio Picasso) por três poetas: Guillaume Apollinaire, Max Jacob e André Salmon e Picasso tinha escrito "rendez-vous dos Poetas" na porta de seu estúdio na Lavoir Bateau.
Study for Les Demoiselles d'Avignon, head of a woman, 1906
      A maioria dos artistas têm uma "forma de arte segundo", em que dabble em vários graus de sucesso, no caso de Picasso isso seria poesia. É duvidoso, como alguns devotos hard-core Picasso afirmar, que Picasso foi um dos maiores poetas espanhóis de seu tempo, mas seu interesse pela poesia foi ao longo da vida e profunda. La Bande à Picasso também seria acompanhado por pintores, mas, possíveis rivais como eram, Picasso ficaria mais perto de seu poeta-amigos.
       Embora altamente inteligente, Picasso não era um intelectual típico e ele usou seu poeta-amigos para complementar o seu, hands-on abordagem à arte. Picasso tinha uma habilidade fantástica para aprender, e usar, as idéias de outros artistas e tal era o "canibal grande da arte moderna".
       La Bande à Picasso num sentido mais amplo foi cuidadosa seleção de Picasso das melhores mentes da arte moderna parisiense. Como um artista estabelecido, ele poderia ser muito generoso com os jovens artistas emergentes, enquanto eles poderiam contribuir para a riqueza de Picasso artístico-intelectual própria.




  Pablo Picasso cubismo




       Durante os primeiros dias do cubismo historiadores atribuía a criação do cubismo a um homem: Pablo Picasso. Agora sabemos que ele tem para compartilhar a honra com Georges Braque.      Braque tinha estudado o método de Cézanne de representar três dimensões como visto de diversos pontos de vista, no mesmo ano (1907) que Picasso criou sua Les Demoiselles d'Avignon. Neste quadro de Picasso retrata figuras humanas, fazendo uso de diversos pontos de vista, que se tornou uma das características do cubismo. Chegar ao conceito de representar um objeto visto de diferentes pontos de vista de forma independente, Pablo Picasso e Georges Braque logo se tornaram bons amigos e passou a desenvolver a linguagem visual do cubismo em estreita cooperação, uma aliança que Picasso às vezes chamava de um casamento. Les Demoiselles d'Avignon representa época negra de Picasso, que foi inspirado pela arte Africana e se sobrepõe à primeira fase do cubismo, que é chamado cubismo analítico. Cubismo analítico durou até 1911 e é caracterizada por monocromático, pinturas relativamente insensível que retratam temas bastante monótono, como ainda vive. Muitas pinturas do cubismo analítico são facetadas (ver, por exemplo, Georges Braque "Mandola", abaixo), uma técnica que permite ao artista disect e reconstruir o seu assunto de uma forma que retrata a sua essência e não na sua aparência. Embora em grande parte abstrato, a técnica de facetas ainda produz uma imagem reconhecível do assunto.
                A técnica de lapidação originado de Georges Braque - foi a sua maneira de descrever um objeto natural. Picasso não usou objetos com facetas , mas usou a geometria de pinturas facetada ;Braques 'para criar um estilo que era abstrato em essência, quase pura arte abstrata. Assim, o cubismo se refere aos estilos de ambos os Braque e Picasso, embora Braques "cubismo tem um objetivo reconhecível figurativos, enquanto o cubismo de Picasso serviu como o elo entre Braques 'estilo e arte abstrata pura que se seguiram do cubismo (como Piet Mondrian e suprematismo ) . 









                       Les Demoiselles d'Avignon.                 


            "Mandola"Georges Braque           

                   Notável é o trabalho de Piet Mondrian , que linearizada cubismo em seu "Apple Tree" 1912 pintura, um processo que culminou com a primeira  pintura não-figurativas (ou a arte abstrata pura), a partir de 1914 por diante. Uma diferença importante entre Picasso e Mondrian cubista foi que Picasso nunca desistiu da terceira dimensão. Ele tocou com dimensões, flertou com a remoção do terceiro, mas nunca se tornou um pintor abstrato puro.

                                               "Apple Tree" 1912  

  
   Estilo e cubismo de Picasso


          É importante compreender plenamente a importância do cubismo. Não é apenas o "estilo de Picasso", mas marca o início real da arte abstrata. Antecessores de Picasso, como os impressionistas, o fauvistas e Cézanne ainda eram principalmente ligados à natureza como um modelo para elaborar. Com Les Demoiselles d'Avignon de Picasso atingiu um nível de abstração que foi uma ruptura radical o suficiente com o domínio de conteúdo clássica sobre a forma, uma hierarquia que é revertida em Les Demoiselles d'Avignon e do estilo que se seguiu a partir dele: o cubismo.
                                   Femme en pleurs



    Falando de "estilo de Picasso"



      É natural que ao associar com o cubismo de Picasso, que leva as pessoas a pensar que as pinturas, como "Femme en pleurs" são cubista. No entanto, o período cubista de Picasso terminou em 1915 e pinturas como Femme en pleurs (1937,   certamente não são cubista, embora haja elementos do cubismo visível, bem como o fauvismo e muitos outros estilos. Não há nenhum ismo, que caracteriza pinturas como Femme en pleurs e seu estilo é conhecido como, de fato, o estilo de Picasso. Carreira de Picasso é na verdade uma colcha de retalhos de estilos diferentes e em seus nus classicista, por exemplo, quase não existem influências cubistas visível. Talvez ironicamente ou talvez tipicamente, quando o trabalho de Picasso pode ser capturado em um ismo, durante seu período cubista, sua influência sobre a arte transcendeu o estilo Picasso e marcou o início de uma nova era na arte moderna.

           Estilo de Picasso em sua forma plena é uma colcha de retalhos de idéias emprestadas de artistas clássicos e contemporâneos o gosto e El Greco, Matisse, Modigliani , Gauguin e Toulouse-Lautrec. No entanto, um elemento-chave do estilo de Picasso é a geometria cubista, que é própria criação de Picasso.

                
                                            

 Guernica: Testemunho da Guerra



                              Em 27 de abril de 1937, atrocidades sem precedentes são perpetrados em nome de Franco contra a população civil de uma pequena aldeia basca no norte da Espanha. Escolhido para a prática de bombardeio pela máquina de guerra de Hitler em expansão, a aldeia é socado com bombas de alto explosivo e incendiário por mais de três horas. Pessoas da cidade são cortadas enquanto correm dos edifícios em ruínas. Guernica queimaduras por três dias. Dezesseis centenas de civis são mortos ou feridos.
    Ao 01 de maio, a notícia do massacre de Guernica chega a Paris, onde mais de um milhão de manifestantes às ruas para inundar de voz a sua indignação na maior manifestação do Primeiro de Maio a cidade já viu. Relatos de testemunhas encher as primeiras páginas dos jornais Paris. Picasso fica atordoado pelas fotografias preto e branco austero. Estarrecidos e enfurecidos, Picasso corre pelas ruas lotadas de seu estúdio, onde ele rapidamente esboços as primeiras imagens para o mural que ele vai chamar Guernica.  
      Sketch Picasso - cavalo e mulher com criança morta
      Desde o início, Picasso escolhe não representar o horror de Guernica, em termos realista ou romântico. Figuras-chave - uma mulher com os braços estendidos, um touro, um cavalo agonizou - são refinados em esboço após esboço, em seguida, transferido para a tela grande capacidade, que ele também reelabora várias vezes. "A pintura não é pensado e decidido a priori", disse Picasso. "Enquanto ele está sendo feito, ele muda como um de mudar os pensamentos. E quando terminar, ele vai mudando, de acordo com o estado de espírito de quem está olhando para ele."
        Três meses depois, Guernica é entregue ao Pavilhão de Espanha, onde a Exposição de Paris, já está em andamento. Localizado fora do caminho, e agrupadas com os pavilhões dos países menores a alguma distância da Torre Eiffel, o Pavilhão espanhol ficou na sombra do monólito Albert Speer para a Alemanha nazista. A atração principal do Pavilhão espanhol, Guernica de Picasso, é um lembrete sóbrio dos trágicos acontecimentos em Espanha.
        A reação inicial à pintura é esmagadoramente críticos. O guia alemão justo chama Guernica ", uma mistura de partes do corpo que qualquer de quatro anos de idade poderia ter pintado." Ele descarta o mural como o sonho de um louco. Mesmo os soviéticos, que haviam se aliado com o governo espanhol contra Franco, reagem com frieza. Eles preferem as imagens mais evidente, acreditando que a arte só mais realistas pode ter conseqüência política ou social. No entanto, passeio de Picasso de força se tornaria um dos mais inquietantes acusações deste século de guerra.
        Depois da Feira, Guernica digressão pela Europa e América do Norte para elevar a consciência sobre a ameaça do fascismo. Desde o início da Segunda Guerra Mundial até 1981, Guernica é abrigada em sua casa temporária no Museu de Arte Moderna de Nova York, que faz viagens freqüentes para o exterior para lugares como Munique, Colônia, Estocolmo, e até mesmo São Paulo no Brasil. O único lugar que ele não vai é a Espanha. Embora Picasso sempre que o destino do mural ser propriedade do povo espanhol, ele se recusa a permitir  viajar para a Espanha até que o país goza de "liberdades públicas e das instituições democráticas".
           Especulações quanto ao significado exato da mistura de imagens torturados são tão numerosas e variadas como as pessoas que viram a pintura. Não há dúvida de que Guernica desafia nossas noções de guerra como heróico e o expõe como um ato brutal de auto-destruição. Mas é um marco da arte de Picasso que qualquer símbolo pode conter muitos significados, muitas vezes contraditórios, e o significado preciso das imagens em Guernica permanece ambígua. Quando perguntado para explicar o seu simbolismo, Picasso comentou: "Não cabe ao pintor para definir os símbolos. Caso contrário, seria melhor se ele escrevesse-as em tantas palavras! O público que olhar para a foto deve interpretar os símbolos como eles o entendem. "
        Em 1973, Pablo Picasso, o artista mais influente do século XX, morre com a idade de 92. E quando Franco morre em 1975, a Espanha se aproxima de seu sonho de democracia. No centenário de nascimento de Picasso, 25 de outubro de 1981, novos Espanha República realiza a melhor comemoração possível: o retorno de Guernica a terra natal de Picasso em um testemunho de reconciliação nacional. Em sua jornada final, a visão apocalíptica de Picasso serviu como uma bandeira para uma nação em seu caminho rumo à liberdade e à democracia.     





 



   Renoir, Pierre-Auguste



      (B. 25 de fevereiro de 1841, Limoges, França -. D 03 de dezembro de 1919, Cagnes)
       Pintor francês originalmente associado com o movimento impressionista. Seus primeiros trabalhos eram tipicamente instantâneos impressionistas da vida real, cheio de cores brilhantes e luz. Em meados da década de 1880, porém, ele havia rompido com o movimento de aplicar uma técnica mais disciplinada, formal para retratos e pinturas de figuras, em particular das mulheres (por exemplo, Banhistas, 1884-1887).
      Em 1854 ele começou a trabalhar como pintor em uma fábrica de porcelana em Paris, ganhando experiência com a luz, cores frescas que foram para distinguir seu trabalho impressionista e também aprender a importância de um bom artesanato. Sua predileção para light-hearted temas também foi influenciada pelos grandes mestres rococó, cujas obras ele estudou no Museu do Louvre. Em 1862 ele entrou no estúdio de Gleyre e lá formou uma duradoura amizade com Monet , Sisley e Bazille . Ele pintou com eles no distrito de Barbizon e se tornou um dos principais membros do grupo de impressionistas, que se encontraram no Café Guerbois. Sua relação com Monet foi particularmente próximo, neste momento, e suas pinturas do ponto de beleza chamado La Grenouillere feito em 1869 (um exemplo de Renoir está no Nationalmuseum, Estocolmo) são consideradas como as declarações iniciais do clássico estilo impressionista. Como Monet, Renoir suportou muitas dificuldades no início de sua carreira, mas ele começou a alcançar o sucesso como retratista no final dos anos 1870 e foi libertado de preocupações financeiras depois que o negociante Paul Durand-Ruel começou a comprar seu trabalho regularmente em 1881. Por esta altura Renoir tinha "viajado até o impressionismo poderia me levar", e uma visita à Itália, em 1881-1882 o inspirou a buscar um maior sentido de solidariedade em seu trabalho. A mudança de atitude é vista em O Guarda-chuvas (NG, Londres), que era, evidentemente, iniciado antes da visita à Itália e terminou mais tarde, as duas meninas à direita são pintados com as penas pinceladas característica da sua maneira impressionista, mas os números à esquerda são feitas em um estilo mais nítidas e mais seco, com coloração mais maçante. Após um período de experimentação com o que chamou de `manière aigre" (maneira severa ou azedo), em meados da década de 1880, ele desenvolveu um tipo mais suave e mais flexível de manuseio. Ao mesmo tempo, ele virou de temas contemporâneos para assuntos mais atemporal, particularmente nus, mas também fotos de meninas em cenários inespecíficos.         Na década de 1890 Renoir começou a sofrer de reumatismo, e de 1903 (altura em que ele era mundialmente famoso), ele viveu no calor do sul da França. O reumatismo, eventualmente aleijou (em 1912 ele estava confinado a uma cadeira de rodas), mas ele continuou a pintar até o final de sua vida, e em seus últimos anos, ele também assumiu a escultura, dirigindo assistentes (geralmente Richard Guino, um aluno de Maillol ) para atuar como suas mãos (Vênus Vitoriosa; Tate, de Londres, 1914).
      Renoir é talvez o mais amado de todos os impressionistas, para seus súditos --- crianças bonitas, flores, cenas bonitas, acima de todas as mulheres linda --- ter apelo imediato, e ele comunicou a alegria tomou neles com franqueza grande. `Por que não deveria ser a arte bonita?", Ele disse: 'Há coisas bastante desagradáveis ??no mundo. " Ele foi um dos grandes adoradores da forma feminina, e ele disse `eu nunca acho que tenho de terminar um nu até que eu acho que eu poderia beliscar ela." Um de seus filhos foi o célebre cineasta Jean Renoir (1894-1979), que escreveu uma biografia animada e tocar (Renoir, Meu Pai), em 1962.








A Walk In The Woods Aka Madame Lecoeur E Seus Filhos










Vaso de Gladiolas And Roses







Menina com um ramo de flores








 A Ride Manhã no Bois de Boulogne
c.1873 (50 Kb); Óleo sobre tela, 261 x 226 centímetros; Kunsthalle em Hamburgo






 La Grenouillere (The Frog Pond)



1874 - The Garden at Fontenay




 

 1879 - The Rose Garden at Wargemont






  Still Life with Bouquet
1871 (180 Kb); Óleo sobre tela, 73,3 x 58,9 centímetros (28 x 23 13/16 16/03 in); Museum of Fine Arts, Houston, Texas




                       Malabaristas no Cirque Fernando
                1879 (40 Kb); O Art Institute of Chicago



Rochedos em L'Estaque Rocky (Rochers l'Estaque um)
1882 (240 Kb); Óleo sobre tela, 66 x 80,5 centímetros 




  Morangos
c.1905 (20 Kb); Óleo sobre tela, 28 x 46 centímetros; Musee de l'Orangerie em Paris









    No prado



      Perto do Lago
                        1880 (90 Kb); Art Institute of Chicago



          La promenade
                        ca 1906, Óleo sobre tela, 165 cm x 129


 Remadores em Chatou
1879 (200 Kb); Óleo sobre tela, 81,3 x 100,3 centímetros (32 x 39 1 / 2 "); National Gallery of Art, Washington, DC


      Alphonsine Fournaise
      1879



  Estudo para "As Banhistas"
1884-1885 (30 Kb); Chalk sobre grafite sobre papel; Art Institute of Chicago 

             Lady Costura
                   1879 (60 Kb); Art Institute of Chicago 




                    Frutas da Midi
                    1881 (80 Kb); Art Institute of Chicago



                   La famille de l'artiste
                       1896; Óleo sobre tela, 173 x 140 cm



Madame Charpentier e seus filhos Paul (no joelho) e Georgette
1878; Proust comparou-o com ` Ticiano no seu melhor ".



 Leitura mulher
                    1874-1876 (50 Kb); Musee d'Orsay, Paris

                                                                                
                     Jeunes filles au piano (Girls no Piano)
1892 (150 Kb); Óleo sobre tela, 116 x 90 cm (45 5 / 8 x 35 3 / 8 in); Musee d'Orsay, Paris








            Young Girl-Sentado
                     1909 (40 Kb); Musee d'Orsay em Paris


  Mulheres jovens Talking
         1878


                             Lucie Berard (Child in White)
                      1883 (40 Kb), Art Institute of Chicago



                                                                                
                           O parisiense (La Parisienne)
1874 (110 Kb); Óleo sobre tela, 160 x 106 cm (63 x 41 3 / 4 in); Museu Nacional do País de Gales, Cardiff 


                Dança em Bougival
          1883 (30 Kb); O Museu de Belas Artes em Boston



Bouquet de Flores de Primavera (Spring Bouquet)
c.1866 (60 Kb); Óleo sobre tela, 101 x 79 centímetros; Fogg Art Museum da Universidade de Harvard (Cambridge, Massachusetts) - Grenville L. Bequest Winthrop



          Boy jovens com um gato
                 1868-1869 (20 Kb); Musee d'Orsay em Paris




                 Dança na Cidade
                           1883 (30 Kb); Musee d'Orsay em Paris 



  Almoço do Canoeists '
1879-80 (190 Kb); Óleo sobre tela, 55,1 x 65,9 centímetros (21 1 / 2 x 26 "); O Art Institute of Chicago



             Senhora no Piano
                       1875 (40 Kb); Art Institute of Chicago



         A lavadeira
                     1880 (40 Kb); Art Institute of Chicago



            Dança no País
                          1883 (30 Kb); Musee d'Orsay em Paris


   Clichy lugar
             1880 (40 Kb); Fitzwilliam Museum, em Cambridge 



 Danseuse (Dancer)
1874 (100 Kb); Óleo sobre tela, 142,5 x 94,5 cm (56 1 / 8 x 37 1 / 8 "); National Gallery of Art, Washington DC - Widener Collection












                    Roses et dans un vaso de jasmin de Delft
c. 1880-1881; `` Roses e Jasmine em um vaso Delft''(140 Kb); Óleo sobre tela, 81,5 x 65 cm (32 x 25 5 / 8 in); 




O Hermitage, São Petersburgo; No. 3KP 524. Anteriormente coleção Otto Krebs, Holzdorf







               Mulher jovem com um véu
                      1875 (50 Kb); Musee d'Orsay, Paris




     Uma menina com um regador
1876 ​​(190 Kb); Óleo sobre tela, 100 x 73 cm (39 1 / 2 x 28 3 / 4 in); A National Gallery of Art, Washington, DC




     No Terraço
1881 (220 Kb); Óleo sobre tela, 100,5 x 81 cm (39 1 / 2 x 31 7 / 8 "); O Art Institute of Chicago, Sr. e Sra. Lewis Larned Collection




 Tilla Durieux
1914 (40 Kb); O Metropolitan Museum of Art, em Nova York



     Gabrielle com uma rosa
                    1911 (40 Kb); Musee d'Orsay em Paris



                     Meninas Colocar flores em seus chapéus
1890 (40 Kb); Metropolitan Museum of Art, em Nova York







              Irene Cahan d'Anvers
                    1879 (40 Kb); Collection EG Buhrle em Zurique


     Busto de Madame Renoir
1916 (30 Kb); cimento policromada; Musee d'Orsay, Paris                             




                                       
   Après le bain
                        1910 (60 Kb); Óleo sobre tela, 95 x 76 cm 




  Les Baigneuses (Banhistas)
c. 1918 (150 Kb); Óleo sobre tela, 80 x 65 cm (26 1 / 2 x 32 in); A Fundação Barnes, Merion, Pennsylvan


As Banhistas
1887 (30 Kb); Philadelphia Museum of Art, Sr. e Sra. Carroll S. Tyson Collection




 Banhistas
                   1918-1919 (90 Kb); Musee d'Orsay, Paris


Sentado Bather
c. 1883-1884 (140 Kb); Óleo sobre tela, 119,7 x 93,5 centímetros (47 1 / 8 x 36 3 / 4 in); Fogg Art Museum, Harvard University, Cambridge, MA



O ESTILO IMPRESSIONISTA



             O estilo impressionista de pintura é caracterizada principalmente pela concentração na impressão geral produzida por uma cena ou o objeto e o uso de cores primárias e misturadas pequenos acidentes vasculares cerebrais para simular a luz refletida real.
               Impressionismo, francês Impressionnisme, um grande movimento, primeiro na pintura e mais tarde na música, que se desenvolveu principalmente na França durante o final de 19 e início do século 20. Pintura impressionista compreende o trabalho produzido entre aproximadamente 1867 e 1886 por um grupo de artistas que compartilhavam um conjunto de abordagens e técnicas afins. A característica mais notável do impressionismo foi uma tentativa de precisão e objetividade registro realidade visual em termos de efeitos transitórios da luz e da cor. Os pintores impressionistas foram principal Claude Monet , Pierre Auguste Renoir , Camille Pissarro , Alfred Sisley , Berthe Morisot , Armand Guillaumin , e Frédéric Bazille , que trabalharam juntos, influenciaram-se mutuamente, e expôs em conjunto de forma independente. Edgar Degas e Paul Cézanne pintou também em um estilo impressionista por um tempo no início dos anos 1870. O estabelecido pintor Édouard Manet , cujo trabalho na década de 1860 influenciou grandemente Monet e outros do grupo, se adaptou a abordagem impressionista sobre 1873. 
              A palavra ``''Impressionniste foi impresso pela primeira vez no Charivari sobre o 25 de abril de 1874 por Louis Leroy, depois de Claude Monet paisagem 's, intitulado Impressões: soleil levant [Impressões]. Esta palavra foi usada para chamar Exposition des Impressionnistes realizar uma exposição nos salões do fotógrafo Nadar e organizado pelo `` Société Anonyme des peintres, sculpteurs et GRAVEURS''[`` sociedade anônima de pintores, escultores e gravadores''], composto de Pissarro , Monet, Sisley , Degas , Renoir , Cézanne , Guillaumin e Berthe Morisot .



  Os Fundadores

                     Os fundadores desta sociedade foram animados pela vontade de romper com a arte oficial. A teoria oficial de que a cor deve ser pura caiu sobre a tela em vez de se misturar na paleta só será respeitada por alguns deles e apenas por um par de anos. Na verdade, o Impressionismo é muito mais um estado da mente do que uma técnica, assim outros artistas que os pintores também foram qualificados de impressionistas. Muitos destes pintores ignorar a lei do contraste simultâneo, conforme estabelecido por Chevreul em 1823. As expressões `` Independentes''ou `` ar livre''pintores pode ser mais apropriado do que `` impressionistas''para qualificar os artistas dando continuidade a uma tradição herdada de Eugène Delacroix , que pensava que o desenho e as cores foram um todo, e Inglês paisagistas, Constable , Bonington e especialmente William Turner , cuja primeira lei foi a observação da natureza, como por paisagistas que trabalham em Barbizon e na floresta de Fontainebleau.
           Eugène Boudin , Stanislas Lépine e os holandeses Jongkind estavam entre os precursores do movimento. Em 1858, Eugène Boudin reuniu-se em Honfleur Claude Monet, com cerca de 15 anos. Ele trouxe para a beira-mar, deu-lhe as cores e ensinou-lhe como observar as luzes mudança no estuário do Sena. Naqueles anos, Boudin ainda é o pintor menor do Perdão de Sainte-Anne-la-Palud, mas está no processo de obtenção instalado na costa da Normandia para pintar as praias de Trouville e Le Havre. Na Côte de Grâce, na fazenda Saint-Siméon, ele atrai muitos pintores incluindo Courbet , Bazille, Monet, Sisley. Os três últimos vão se reunir em Paris no estúdio Gleyre livre, e em 1863 eles vão descobrir um pintor de porcelana, Auguste Renoir.
               Ao mesmo tempo, outros artistas queriam ignorar a restrições decorrentes da Ecole des Beaux-Arts e estavam trabalhando quai des Orfèvres na Academia Suíça, o mais velho, do dinamarquês West Indies, foi Camille Pissarro, os outros dois foram Paul Cézanne Armand Guillaumin e.

                                         `` Le Salon des Refusés''

                           Essas pessoas eram altamente impressionado com as obras de Edouard Manet , e ficou indignado quando soube que ele foi recusado para o Salão 1863. A indignação foi tão grande entre a população artísticos que Napoleão III permitiu a abertura de um `` Salon des Refusés'', onde Manet, Pissarro, Jongkind, Cals, Chintreuil, Fantin-Latour , etc mostrou suas obras. Le Déjeuner sur l 'herbe provocou um grande entusiasmo entre os jovens pintores, que viu representado na pintura de Manet muitas das suas preocupações. Eles começaram a reunião em torno dele na Guerbois café, 9, avenue de Clichy, e assim criar l'école des Batignolles.
                   O Salão 1866 aceitou a obras de alguns deles: Degas, Bazille, Berthe Morisot, Sisley, Monet expôs o retrato de Camille, Pissarro, les Bords de la Marne en hiver, Manet, Cézanne, Renoir foram recusados, e Emile Zola escreveu em L'événement uma diatribe que fez dele o defensor oficial dos recém-chegados tendo uma atitude mais revolucionária da concepção do que na pintura ainda tradicional. A principal diferença reside na atracção para a cor eo gosto da luz, mas Berthe Morisot permaneceu fiel ao ensinamento de Manet; Degas foi misturado entre a sua admiração por Ingres e os italianos do Renascimento os pintores; Cézanne tentou `` du Poussin faire natureza sur'' ; Claude Monet si mesmo, em La Terrasse au Havre e les Femmes au jardin (1866, Louvre, salles du Jeu de Paume), está longe de anunciar sua audácia futuro.
                    Somente Monet e Sisley foram sempre mais profundamente na análise de changings luz e seus efeitos sobre aparências. Degas, Renoir e Cézanne caminhando para direções opostas, enquanto Pissarro estava interessado pelas pesquisas de Paul Gauguin, Georges Seurat , Paul Signac . Se, nesta fase, impressionistas foram tornando-se apreciada, sua situação ainda estava dura, o Salão ainda se recusava suas pinturas, e em 1894, 25 das 65 obras de arte doadas por Caillebotte ao museu do Luxemburgo foram rejeitadas.
                            No entanto, quando Camille Pissarro, o patriarca impressionista, morreu em 1903, todos concordaram que este movimento foi a revolução do século XIX principais artística, e que todos os seus membros estão entre os melhores pintores. A influência dos impressionistas foi grande fora da França, especialmente na Alemanha, com Liebermann, Corinto e na Bélgica.
                                                                            


La femme au métier
1875; Óleo sobre tela, 65 x 55 cm


Japonaise la
1876; Museu de Belas Artes, Boston 



                       Le bateau atelier (The Boat Studio)
1876 ​​(160 Kb); Óleo sobre tela, 72 x 59,8 cm (28 3 / 8 x 23 1 / 2 in); A Fundação Barnes, Merion, Pennsylvania                                                    





 

A praia em Trouville
1870 (130 Kb); Óleo sobre tela, 38 x 46 cm (15 x 18 1 / 8 in); National Gallery, Londres 




Barcos de pesca Leaving the Harbor, Le Havre
1874 (160 Kb); Óleo sobre tela, 60 x 101 cm (23 5 / 8 x 39 3 / 4 "); Colecção privada




Jardim em Bordighera, Impression da Manhã
1884 (180 Kb); Óleo sobre tela, 65,5 x 81,5 centímetros (25 04/03 x 32 in); O Hermitage, St. Petersburg
Não. 3KP 522. Anteriormente coleção Otto Krebs, Holzdorf


Arch Rock West de Etretat (The Manneport)
1883 (220 Kb); Óleo sobre tela, 65,4 x 81,3 centímetros (25 04/03 x 32 in); Metropolitan Museum of Art, New York




Jardim do Artista em Giverny


A ponte japonesa
Provavelmente, 1918-1924 (280 Kb); Óleo sobre tela, 89 x 116 cm (35 x 45 3 / 4 in); O Instituto de Artes Minneapolis



Caminho na Ile Saint-Martin, Vetheuil



O gelo flutuante
1880






"La Promenade, la femme à l'Ombrelle"
Claude MONET 1875
National Gallery of Art, Washington






Essai de figura en plein air (vers la droite)"
Claude MONET 1886
Musée d'Orsay, Paris

"Essai de figura en plein air (vers la gauche)"
Claude MONET 1886
Musée d'Orsay, Paris




CLAUDE MONET


Claude Monet (b. 14 de novembro de 1840, Paris, Fr .-- d. 5 de dezembro de 1926, Giverny) pintor francês, iniciador, o líder e defensor indefectível do estilo impressionista. Ele é considerado como o impressionista arquetípica em que sua devoção aos ideais do movimento era inabalável ao longo de sua longa carreira.
       Claude Monet foi um artista pelo comércio. Ele nunca ganhou dinheiro com qualquer coisa, mas suas pinturas. Ele começou na escola vendendo caricaturas de seus professores. Todos os seus sentimentos de felicidade com sua família para a morte dolorosa de sua esposa Camille se transformou em temas para pinturas. Parece que ele não sabia como se expressar, exceto em uma tela.
    Sua juventude foi passada em Le Havre, onde ele primeiro se destacou como caricaturista, mas foi então convertido em pintura de paisagem por seu mentor início Boudin, de quem ele derivou sua predileção firme para pinturas a óleo fora deportas.  Em 1859, ele estudou em Paris no Atelier Suisse e formou uma amizade com Pissarro. Após dois anos de serviço militar em Argel, ele voltou para Le Havre e Jongkind atendidas, a quem ele disse que devido `a educação definitiva dos meus olhos". Ele, então, em 1862, entrou no estúdio de Gleyre, em Paris e lá conheceu Renoir, Sisley e Bazille, com quem foi para formar o núcleo do grupo impressionista. Devoção Monet para pinturas a óleo fora de portas é ilustrado pela famosa história sobre um de seus mais ambiciosos trabalhos iniciais, Mulheres no Jardim (Musée d'Orsay, Paris; 1866-1867). A imagem é cerca de 2,5 metros de altura e para capacitá-lo a pintar tudo isso fora, ele tinha uma trincheira escavada no jardim, para que a tela poderia ser levantada ou abaixada por polias para a altura que ele exigido. Courbet o visitou quando ele estava trabalhando nele e disse Monet não pintar até as folhas no fundo, a menos que as condições de iluminação foram exatamente correto.

Durante a Guerra Franco-Prussiana (1870-1871), ele se refugiou na Inglaterra, com Pissarro: ele estudou a obra de Constable e Turner, pintou o Thames e Londres parques, e conheceu o negociante Durand-Ruel, que se tornaria um dos grandes campeões dos impressionistas. A partir de 1871-1878 Monet viveu em Argenteuil, uma aldeia às margens do Sena, perto de Paris, e aqui foram pintadas algumas das obras mais alegre e famoso do movimento impressionista, não só por Monet, mas por seus visitantes Manet, Renoir e Sisley. Em 1878 mudou-se para Vétheuil e em 1883 ele se estabeleceu em Giverny, também no rio Sena, mas cerca de 40 quilômetros de Paris. Depois de ter experimentado a pobreza extrema, Monet começou a prosperar. Em 1890 ele foi bem sucedido o suficiente para comprar a casa em Giverny, ele já havia alugado e em 1892 ele se casou com sua amante, com quem tinha começado um affair em 1876, três anos antes da morte de sua primeira esposa. De 1890 ele se concentrou em série de imagens em que ele pintou o mesmo tema em diferentes momentos do dia em diferentes luzes --- Haystacks ou Grainstacks (1890-1891) e Rouen Cathedral (1891-1895) são os mais conhecidos. Ele continuou a viajar bastante, visitar Londres e Veneza várias vezes (e também a Noruega como um convidado da rainha Christiana), mas cada vez mais a sua atenção estava voltada para o célebre jardim água-que ele criou em Giverny, que serviu de tema para a série de pinturas a óleo sobre a água-lírios, que começou em 1899 e cresceu para dominar completamente o seu trabalho (em 1914 ele tinha um estúdio especial construído no terreno de sua casa para que ele pudesse trabalhar com as telas enormes).




 Le chasseur et son chien dans un bateau
Um caçador e seu cão em um barco
Claude Oscar Monet circa 1858




        La Pie
O Magpie
Claude MONET 1869
                                Musée d'Orsay, Paris                                                  



                                                                                      
La Liseuse
O Reader
Claude MONET 1872




"Le Jardin de Monet à Vétheuil"
Claude MONET 1881
National Gallery of Art, Washington




Impression, soleil levant
Sunrise impressão
Claude MONET 1873
Musée Marmottan, Paris










Le Pave de Chailly ou The Road de Bas-Breau
Claude MONET 1865
Musée d'Orsay, Paris


"Fleurs à Vétheuil"
Claude MONET 1881
Coleção particular


Nature morte au faisan
Natureza morta com faisão
Claude MONET Oscar 1861
Musée des Beaux Arts de Rouen, França




                                 Terrasse à Sainte-Adresse
Jardim em Sainte Adresse
Claude MONET 1867
Metropolitan Museum of Art, New York                                              
                                                                      


                                                                          
    "La capelina rouge"
Claude MONET 1873
                  Cleveland Museum of Art                                            





"Vétheuil en été"
Claude MONET 1880
Metropolitan Museum of Art, New York





"Le Bassin d'Argenteuil"
Claude MONET 1872
Musée d'Orsay, Paris 




"Les Coquelicots à Argenteuil"
Claude MONET 1873
Musée d'Orsay, Paris





"Le Déjeuner"
Claude MONET 1873
Musée d'Orsay, Paris





                                                                                   
Le Déjeuner sur l'Herbe
Almoço na Relva
Claude MONET 1865
Museu Pushkin, de Mosco

                                                                                

                                                   


                                      "Le Pont d'Argenteuil"
Claude MONET 1874
Musée d'Orsay, Paris                                        



                                                                                       
"Les Barques, Regates à Argenteuil"
Claude MONET Musée d'Orsay, Paris                                                                      




"Les Bateaux rouges, Argenteuil"
Claude MONET 1875
Musée de l'Orangerie, Paris
Colecção Jean Walter et Paul Guillaume,






                                             "Le Bassin d'Argenteuil"
Claude MONET 1874
Museu de Arte, Rhode Island
                                  


                                                                               
La plage de Sainte-Adresse, temps gris
A praia em Sainte Adresse
Claude MONET 1867
O Art Institute of Chicago, Illinois

                                                                               

"Peupliers, près d'Argenteuil"
Claude MONET 1875
Museu de Belas Artes, Boston, Massachusetts



                
"Fleurs à Vétheuil"
Claude MONET 1881
Coleção particular




"Champ de tulipes, Hollande"
Claude MONET 1886
Musée d'Orsay, Paris




                                                                            
"A Sassenheim près de Haarlem, campeão de tulipes"
Claude MONET 1886
Art Institute, Williamstown,Massachusetts



"Le Jardin de Monet à Argenteuil (les Dálias)"
Claude MONET 1873
National Gallery of Art, Washington




"Le Parc Monceau"
Claude MONET 1876
O Metropolitan Museum of Art, New York




      "Coin de jardin à Montgeron"
Claude MONET 1876
Hermitage, São Petersburgo                                                                    



"Au Jardin, la famille de l'artiste"
Claude MONET 1875
Coleção particular





 "En Norvégienne"
Claude MONET 1887
Musée d'Orsay, Paris




"Le Printemps, Giverny"
Claude MONET 19
Coleção particular






"Le Jardin aux íris, Giverny"
Claude MONET 1900
Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut



"Le Jardin de Monet, les iris"
Claude MONET 1900
Musée d'Orsay, Paris




        "Une Allée du jardin de Monet, em Giverny"
Claude MONET 1902
Österreichische Galerie, Viena, Áustria
                                                                               
                                            
"Soir Nymphéas, effet du"
Claude MONET 1897
Musée Marmottan, Par



"Nymphéas"
Claude MONET 1904
Coleção particular




"Nymphéas"
Claude MONET 1905
Museu Nacional do País de Gales, Cardiff GB





"Nymphéas"
Claude MONET 1906
Tha Art Institute of Chicago, Illinois



"Nymphéas"
Claude MONET 1908
Coleção particular



   "Nymphéas"
Claude MONET 1908
Coleção particular
                                                                                                                                                    

                                                                              
"Nymphéas"
Claude MONET 1897
Los Angeles County Museum of Art, na Califórnia




 Cathédrale de Rouen:
Le Portail vu face de harmonie brune
Rouen Cathedral:
O Portal Hamony, em Brown
Claude MONET 1892
Musee d Orsay





Cathédrale de Rouen: Le temps gris Portail
Rouen Cathedral:
O Tempo Grey Portal
Claude MONET 1892
Musee d Orsay


Cathédrale de Rouen: Le Portail, Soleil
Rouen Cathedral: O Portal do Sol
Claude MONET 1892
National Gallery of Art de Washington EUA





Cathédrale de Rouen: Le Portail au Soleil
Rouen Cathedral: O Portal do Sol
Claude MONET 1892
Metropolitan Museum of Art de Nova York, EUA






Cathédrale de Rouen
Le Portail et la tour d'Albane
effet du matin
Rouen Cathedral
O Portal eo Tour d'Albane
Efeito da manhã
Claude MONET 1893
Musee d Orsay




                                                                        

Cathédrale de Rouen,
effet de soleil fin de journée
Rouen Cathedral no fim do dia,
Efeito da luz solar
Claude MONET 1892
Musee Marmottan, Paris, França




"Bouquet de Soleils"
Claude MONET 1881
Metropolitan Museum of Art, New York





"Bouquet de malvas"
Claude MONET 1880
Courtauld Institute Galleries, London




"Fleurs de topinambours"
Claude MONET 1880
National Gallery of Art, Washington, DC



"Vaso de pavots"
Claude MONET 1883
Museu Boymans-Van Beuningen, Rotterdam NL

                                               



"Chrysanthèmes"
Claude MONET 1897
Colecção privada



                                                                            
"Havia pombos em cima de nós e eu estava estremecendo um pouco de medo.
Mas a foto foi tirada no momento em que voou para longe. "
Alice Monet, Veneza, 06 de outubro de 1908



Veneza, The Grand Canal
Claude MONET 1908
Fine Arts Museum, San Francisco, Califórnia, EUA


San Giorgio Maggiore em Crepúsculo (ou ao entardecer)
Claude MONET 1908
Museu Nacional do País de Gales, Cardiff, GB



Veneza, o Palácio Ducal
Claude MONET 1908
Brooklyn Museum, Nova York, EUA




San Giorgio Maggiore
Claude MONET 1908
Indianapolis Museum of Art, Indiana, EUA




O Palazzo da Mula
Claude MONET 1908
National Gallery of Art, Washington,




Gôndola em Veneza
Claude MONET 1908
Musée des Beaux-Arts de Nantes, França



                                                                                                                                           


                            


                      MICHELANGELO




                                     

         Michelangelo Buonarroti, conhecido como Michelangelo (Caprese, 1475 - Roma, 1564)
            Nascido em 1475 na pequena cidade de Caprese, próxima a Arezzo, Michelangelo di Ludovico Buonarroti Simoni era filho de um magistrado que também possuía uma mina de mármore e uma pequena fazenda. Criado por uma ama-de-leite cujo marido era cortador de mármore, um Michelangelo ainda pequeno já convivia com o material que lhe seria tão caro durante toda a vida.
            Michelangelo se dedica ao estudo da anatomia humana, dissecando cadáveres na Igreja do Santo Espírito, em Florença. Esses conhecimentos seriam fundamentais para a excelência atingida posteriormente em suas esculturas, que revelavam um conhecimento detalhado de cada músculo do corpo humano.
           Michelangelo Buonarroti foi um artista italiano, famoso por suas esculturas , pinturas , poemas e até mesmo a arquitetura dele. Ele foi largamente responsável pelo desenvolvimento do movimento Maneirismo e foi um dos fundadores participantes da Alta Renascença. Seu talento foi descoberto em uma idade jovem, quando ele foi trazido para a escola de Lorenzo de Médici da arte e da casa dos Medici. Aqui ele foi criado entre obras artísticas, bem como as teorias revolucionárias intelectual. Ele cresceu para se tornar um dos maiores artistas de todos os tempos e ainda hoje seu nome é reconhecido em todo o mundo como um criador de obras-primas.
            Michelangelo raramente produziu o que poderíamos identificar como retratos ou semelhanças, mas ele era um apaixonado pelo estudo da fisionomia humana, no entanto. Sua chamada Chefes Ideal ou Divino (Vasari usa o termo italiano''Teste divina ") são muitas vezes fascinante por sua beleza estranha e sofisticada. Eles também podem comunicar o encanto de viva, expressões mais natural.

      
  
 Descrição


   
O natural e o ideal



           A maioria dos chefes Ideal de Michelangelo são executados em giz preto. O feito desenhos de giz vermelho no Louvre e no Museu Ashmolean, em Oxford, são exceções sublime. O desenho Louvre é especialmente atraente para seu naturalismo e de expressão, personalidade animada, o que sugere o retrato de uma jovem mulher. A simplicidade de sua execução a distingue de outra forma a sofisticação característica dos Chefes Ideal, com a sua beleza estranha, muitas vezes exóticos e penteados elaborados. Historiadores da arte concordam que Michelangelo produziu os desenhos entre 1520 e 1530, quando foi ocupado principalmente com o trabalho sobre a basílica de San Lorenzo de Medici, em Florença.

     Desenhos de apresentação: obras de arte por direito próprio.

    Os Chefes Ideal foram executados como desenhos de apresentação altamente terminado. Michelangelo concebeu-los como obras de arte por direito próprio, ao invés de estudos,  apresentou-los como presentes em honra de seus amigos mais próximos, nomeadamente os jovens romanos nobre Tommaso de 'Cavalieri, e Vittoria Colonna, musa do artista. O gênero está relacionado a uma tradição florentina exemplificado por Andrea del Verrocchio, Botticelli Sandro e Leonardo da Vinci. Estes desenhos raros e magnífica de Michelangelo tornaram-se justamente famosa: a série inclui o''Zenobia''e''''no Fury Uffizi, e Cleopatra'''', também em Florença, na Casa Buonarotti. Eles foram imediatamente cobiçado pelos colecionadores mais exigentes. O desenho atual, de propriedade do banqueiro de Colónia Everhard Jabach, foi adquirida para a coleta de Luís XIV em 1671, juntamente com 5541 outros desenhos.

     

                 Michelangelo: O Juízo Final. Capela Sistina.



Pietà de Florença, c. 1550. Museo dell'Opera del Duomo.




Michelangelo: Detalhe do Juízo Final, Capela Sistina, Vaticano.




Cópia de um original de Michelangelo ofertado a Tommaso dei Cavalieri: O rapto de Ganimedes, 1532. Royal Collection, Castelo de Windsor.



Michelangelo: visão parcial do teto da Capela Sistina

            Michelangelo: A conversão de Saulo, Capela Paulina.



Maria e Jesus, detalhe do Juízo Final, 1534–41. Capela Sistina.






Michelangelo: Planta da Basílica de São Pedro, 1546.










                        Rembrandt




OBRAS:     



                           FILHO PRÓDIGO          
                                     



                              JEREMIAS              




                           ADORAÇÃO            




                              MOISÉS         




                                   DAVI              



                                  
                        NIGHT WATCH               



                          BATHSHEBA              




                        AS CRIANÇAS            





Auto-Retrato
1629 (30 Kb); Óleo sobre tela; O Mauritshuis, The Hague





Auto-retrato como um homem novo
1634 (20 Kb); Óleo sobre tela; Uffizi, Florença








Rembrandt e Saskia na cena do filho pródigo na Taverna
c. 1635 (120 Kb); Óleo sobre tela, 161 x 131 cm; Gemaldegalerie Alte Meister, Dresden





 
Auto-retrato
1640 (100 Kb); Óleo sobre tela, 102 x 80 cm; National Gallery, Londres





                                                                              
Retrato do artista em seu cavalete
1660 (120 Kb); Óleo sobre tela, 111 x 90 cm (43 1 / 2 x 35 1 / 2 "); Musee du Louvre, Paris








                                                               Auto-retrato
1661 (110 Kb); Óleo sobre tela, 114 x 94 cm; Patrimônio Inglês, Kenwood House, em Londres     
   
                                                                                     
                                                    


                                                                                    
                                                                        Auto-retrato
1669 (80 Kb); Óleo sobre tela, 86 x 70,5 centímetros; National Gallery, Londres  





     
            Rembrandt Harmenszoon van Rijn (b. 15 de julho de 1606, Leiden, Neth . 04 de outubro de 1669, Amsterdam), pintor holandês, relatora, e etcher do século xvII, um gigante na história da arte. Suas pinturas são caracterizadas por pinceladas luxuriante, cores ricas, e um domínio do claro-escuro. Inúmeros retratos e auto-retratos exibem uma penetração profunda da personagem. Seus desenhos constituem um registro vivo da vida contemporânea Amsterdam. O maior artista da escola holandesa, ele foi um mestre da luz e da sombra cujas pinturas, desenhos, gravuras e fez dele um gigante na história da arte.
   Rembrandt Harmenszoon van Rijn nasceu em 15 de julho de 1606, em Leiden, na Holanda. Seu pai era um moleiro que queria que o filho seguisse a sua profissão, mas Rembrandt deixou a Universidade de Leiden para estudar pintura. Seus primeiros trabalhos foi dedicada a mostrar as linhas de luz e sombra, e a cor das pessoas que ele viu sobre ele. Ele foi influenciado pela obra de Caravaggio e era fascinado pelo trabalho de muitos outros artistas italianos. Quando Rembrandt se estabeleceu como um pintor, ele começou a ensinar e continuou ensinando arte durante sua vida.
      Em 1631, quando o trabalho de Rembrandt se tornou conhecido eo seu estúdio em Leiden estava florescendo, ele se mudou para Amsterdam. Ele se tornou o principal pintor de retratos na Holanda e recebeu muitas encomendas para retratos, bem como para pinturas de temas religiosos. Ele viveu a vida de um cidadão, rico respeitado e encontrou a bela Saskia van Uylenburgh, com quem se casou em 1634. Ela foi o modelo para muitas de suas pinturas e desenhos. Obras de Rembrandt, a partir deste período são caracterizadas por fortes efeitos de iluminação. Além de retratos, Rembrandt conseguiu fama por suas paisagens, enquanto como um etcher ele está entre o principal de todos os tempos. Quando ele não tinha outro modelo, ele pintava ou desenhava sua própria imagem. Estima-se que ele pintou entre 50 e 60 auto-retratos.
      Em 1636 começou a pintar com mais calma, mais cenas contemplativas com uma nova cor quente. Durante os próximos anos, três de seus quatro filhos morreram na infância, e em 1642 sua esposa morreu. Na década de 1630 e 1640 ele fez desenhos e gravuras muitas paisagem. Seus quadros de paisagem são imaginativos, mostrando ricos da terra ao seu redor. Rembrandt estava em seu mais inventivo no trabalho popularmente conhecido como The Night Watch , pintada em 1642. Ela retrata um grupo de guardas da cidade aguardando o comando para entrar na linha. Cada homem é pintado com o cuidado que Rembrandt deu aos retratos individuais, mas a composição é tal que os números separados estão em segundo lugar em juros para o efeito do todo. A tela é brilhante com cor, movimento e luz. Em primeiro plano estão dois homens, um em amarelo brilhante, o outro em preto. A sombra de um tons de cor para baixo a leveza do outro. No centro da pintura é uma menina vestida de amarelo.
     Rembrandt tornou-se acostumado a viver confortavelmente. A partir do momento que ele pudesse dar ao luxo de comprar muitas pinturas de outros artistas. Em meados da década de 1650 ele estava vivendo muito além de seus meios que a sua casa e os bens dele teve que ser leiloado para pagar algumas de suas dívidas. Ele tinha menos comissões na década de 1640 e 1650, mas sua situação financeira não era insuportável.        Para o estudante de hoje de arte, Rembrandt permanece, como o de Israel pintor holandês Jozef disse, "o verdadeiro tipo de artista, livre, envolto pelas tradições."
    O número de obras atribuídas a Rembrandt varia. Ele produziu cerca de 600 pinturas, 300 gravuras e 1.400 desenhos. Algumas de suas obras são: St. Paulo na Prisão (1627); Ceia em Emmaus (1630); A Lição de Anatomia do Dr. Tulp (1632); Young Girl em um Open Door Half-(1645); The Mill (1650); Aristóteles Contemplando o Busto de Homero (1653); O Retorno do Filho Pródigo (após 1660); Os síndicos da guilda dos Drapers '(1662), e muitos retratos.

    Auto-retratos
    antes de 1639
    1640-1649
    1650-1659
    1660-1669

Graças à Fundação BMW,o WebMuseum


                                              

         O Partido Music
1626 (40 Kb); Óleo sobre madeira; Rijksmuseum, Amsterdam            
                                                   



                                                                              
          A ressurreição de Lázaro
c. 1630 (150 Kb); Óleo sobre painel, 96,2 x 81,5 centímetros; Los Angeles County Museum of Art; Bredius 538  


                                                                       


                                                                            
A Scholar
1631 (130 Kb); Óleo sobre tela, 104,5 x 92 cm (41 x 36 "); Hermitage, St. Petersburg



                                                                                   

    Ruts Nicolaes
1631 (10 Kb); Óleo sobre painel de mogno; A Frick Collection, New York            
                                            





                     A Palestra de Anatomia do Dr. Tulp
1632 (130 Kb); Óleo sobre tela, 169,5 x 216,5 centímetros; Haia, Mauritshuis          
      
                                                                      



            Filósofo em Meditação
1632 (110 Kb); Óleo sobre madeira, 28 x 34 cm (11 x 13 1 / 2 "); Musee du Louvre, Paris

                        


                             Abraão e Isaac
1634 (120 Kb); Óleo sobre tela, 158 x 117 cm (62 x 46 in); Hermitage, St. Petersburg
          

                                          


Artemis
1634 (120 Kb); Óleo sobre tela, 142 x 152 cm (55 7 / 8 x 59 7 / 8 "); Museo del Prado, Madrid      
                                                                    
                                                                    



                                      
Descida da Cruz
1634 (130 Kb); Óleo sobre tela, 158 x 117 cm (62 x 46 in); Hermitage, St. Petersburg


     A Festa de Belsazar
c. 1635 (120 Kb); Óleo sobre tela, 167 x 209 cm; National Gallery, Londres        






Danae
1636 (40 Kb); Óleo sobre tela; O Hermitage em São Petersburgo 




             A Blinding de Sansão
1636 (130 Kb); Óleo sobre tela, cm 206 x 276; Stadelsches Kunstinstitut, Frankfurt   
                                             




                                Arcanjo deixando a família de Tobias
1637 (130 Kb); óleo sobre madeira, 66 x 52 cm (26 x 20 1 / 2 "); Musee du Louvre, Paris
             









                          Van Gogh                                                     

                    




Van Gogh: Beleza que eleva a alma


Nenhuma exploração da vida de Vincent van Gogh eo trabalho estaria completa sem um olhar para seus muitos desenhos incríveis. Vincent produziu mais de 1.000 dessas obras (para além do seu 870 pinturas, 150 aquarelas e 133 esboços letra) ao longo da sua carreira de dez anos como artista.




                                   
                 Angelus, O Bruxelas: outubro de 1880
                        (Otterlo, Müller-Museu Kröller )
                                F 834, Juv JH. 14
                                                      
         
                   Braço Nuenen: dezembro a maio, 1884-1885
                       (Amesterdão, Museu Van Gogh )
                               1160r F, JH 1005                                                                         

                                                   Braço
                Nuenen: dezembro a maio, 1884-1885
                     (Amesterdão, Museu Van Gogh )
                                      1160v F, JH 1004                                                                

                             Arles: Vista do Campo de Trigo
                                      Arles: 6-8 ago 1888
                                (Los Angeles, centro de Getty)
                                           F 1492, JH 1544
                                                          

                                


                  
                                  Baby Crawling

                           Haia: c. 5 de março de 1883
                                (Colecção privada)
                              F 872, JH 334 


                                               Quintais
                                   Haia: março de 1882
                     (Genebra, Coleção Krugier Poniatowski)
                                            939a F, JH 120     


  

                                            Padaria
                          Haia: início de março de 1882
                             (Haia Gemeentemuseum)
                                       F 914, JH 112


                                                                
                                  Banco do Ródano em Arles
                                  Arles: julho de 1888
                  (Roterdão, Museum Boijmans van Beuningen)
                               F 1472a, 1497a JH 



                                Coruja visto de frente
                       Paris: de setembro a abril de 1887
                         (Amesterdão, Museu Van Gogh )
                                  1373v F, JH 1189  



   

                           Celeiro com telhado coberto de musgo
                              Etten: Abril-Maio de 1881
                     (Roterdão, Museum Boijmans van Beuningen)
                                         F 842, JH 5  






                                                                                 
                                    Bancada em madeira
                                 Haia: setembro de 1882
                                    (Local desconhecido)
                                       F 928, JH 199 





                                   Bent figura de uma mulher
                            Haia: o início de maio de 1882
                         (Otterlo, Müller-Museu Kröller )
                                     F 937, JH 144 



   

                                        Blossoming Ramos
                     Auvers-sur-Oise: Junho-Julho de 1890
                          (Amesterdão, Museu Van Gogh )
                                       F 1612, JH 2059 



        

                               Menino com boné e Tamancos
                               Etten: Abril-Junho de 1881
                         (Amesterdão, Museu Van Gogh )
                                    F 1681, JH 202 


     

                                     Menino com Spade
                     Haia: primeira metade de Outubro, 1882
                             (Local desconhecido)
                                     F 986, JH 231  



      

  
  Ponte e Casas na esquina da-Prinsessegracht Herengracht, Haia.
Haia: março de 1882
(Amesterdão, Museu Van Gogh )
F 1679, JH 121  








  Igreja em Nuenen, com uma figura 
Nuenen: 20 de janeiro de 1884
(Otterlo, Müller-Museu Kröller )
F 1117, JH 446
                                                
                           














                                   Churchyard no inverno
                           Nuenen: dezembro de 1883
                        (Amesterdão, Museu Van Gogh )
                               1236r F, JH 432                                











               Entre novembro de 1881 e julho de 1890, Vincent van Gogh pintou cerca de 900 pinturas. Desde sua morte, ele se tornou um dos pintores mais famosos do mundo. pinturas de Van Gogh ter capturado as mentes e corações de milhões de amantes da arte e fizeram os amantes da arte desses novos para o mundo da arte. Os trechos seguintes são das cartas que Van Gogh escreveu expressar o quanto ele evoluiu como pintor.
Em dezembro de 1881, na idade de 28 como ele começou suas primeiras pinturas de Vincent escreveu a seu irmão Theo sobre como se tornar um pintor,
"Theo, eu estou muito feliz com o meu paintbox, e eu acho que o meu consegui-lo agora, depois de ter elaborado quase exclusivamente para pelo menos um ano, melhor do que se tivesse começado com ele imediatamente ...Pois, Theo, com pintura minha carreira real começa. Você não acha que eu estou certo considerá-lo assim? "

Vincent van Gogh Painting Noite Estrelada

        Van Gogh trabalhou em um ritmo febril lhe custando dinheiro, causando-lhe estresse físico e mental e deixando-o sem tempo para qualquer outra fonte de renda. Mas ele foi persistente. Numa carta de março de 1882, Van Gogh escreveu novamente a seu irmão:
Theo,

"Apesar de eu me encontrar em dificuldades financeiras, ainda assim tenho a sensação de que não há nada mais sólido do que um artesanato» no sentido literal de trabalhar com as mãos. Se você se tornou um pintor, uma das coisas que me surpreende é que a pintura e tudo relacionado com ele é muito trabalho duro em termos físicos. Deixando de lado o esforço mental, o pensamento rígido, que exige grande esforço físico, e que dia após dia. "
      Na mesma carta a Theo de 1882, Van Gogh escreve: "Há duas maneiras de pensar sobre a pintura, como não fazê-la e como fazê-la: como fazê-la - com o desenho e muito pouco de cor; como não fazer - com muita cor e desenho pouco.


                                                                             
       Expressando a inspiração de Van Gogh para a pintura. No entanto, uma linha diz:
"Olhe ao redor em um dia de verão".
que é uma afirmação falsa como Van Gogh estava em um asilo em Saint-Remy, e não foi capaz de pintar imagens de um ponto de vista real, é estritamente de sua mente.
Estrelada, noite estrelada.
Pinte sua paleta azul e cinza,
Olhe ao redor em um dia de verão,
Com olhos que conhecem a escuridão na minha alma.
Sombras nas colinas,
Esboce as árvores e os narcisos,
Catch a brisa e os frios de inverno,
Em cores na terra branca.
Estas são as referências a outros quadros de Van Gogh.
Flores Flaming: A série de girassol
Nuvens rodopiando: Noite Estrelada
Campo de Amber Grãos: Campo de Trigo com Corvos
Suportando rostos: Os Comedores de Batata
    Estrelada, noite estrelada.
Flores flamejantes que resplandece brilhantemente, nuvens rodando em uma roxa,
Refletem nos olhos de Vincent porcelana azul.
Cores mudando de matiz, campo manhã de grãos âmbar
Suportando rostos alinhados em dor,
São aliviadas por baixo da mão amorosa do artista.
Esta é a trágica morte de Van Gogh. Mesmo que ele amava a pintura, suas pinturas nunca poderia amá-lo de volta.

   Van Gogh tentou o suicídio com um tiro no peito, o que levou à sua morte dois dias depois.     Para eles não poderem amar você,
Mas ainda assim seu amor era verdadeiro.
E quando nenhuma esperança foi deixada à vista
Daquela estrelada, noite estrelada,
Você tomou sua vida, como amantes geralmente fazem.
Mas eu poderia ter lhe dito, Vincent,
Este mundo não foi feito para uma
Tão bonita como você.
legado artístico de Van Gogh está contido dentro de suas pinturas, desenhos e escritos. Eles são eternos e nunca vai "esquecer" o estilo que criou. Eles são os olhos de Van Gogh que observam o mundo. Isso tudo é metaforicamente falando embora.   
Estrelada, noite estrelada.
Retratos pendurados em corredores vazios
Cabeças sem molduras em paredes anônimas,
Com olhos que observam o mundo e não posso esquecer.
Como os estranhos que você conheceu,
O homem esfarrapado em roupas esfarrapadas,
O espinho prateado da rosa ensanguentada,
Deite-se esmagada e quebrada na neve virgem.
Finalmente chegamos à conclusão de realizar eterna luta de Van Gogh com a loucura.     Agora eu acho que sei o que você tentou me dizer,
Como você sofreu por sua sanidade,
Como você tentou libertá-los.
Eles não ouviriam, eles não estão escutando.
Talvez eles nunca ouçam ...


                                                                            
                           retrato comChapéu de Palha
                                   
van Gogh, 1888
                                      óleo em tela 47 × 37.5 cm
                                    Museu Van Gogh, Amsterda
                                        

                                                                                    
                                                                                                         Dois Girassóis, 1887. Óleo sobre tela. 43,2 x 61 cm
O Metropolitan Museum of Art: Fundo Rogers, 1949




                                                                                   
                 O Sover, 1888. Óleo sobre tela. 64 x 80,5 centímetros
                  Kröller-Müller Museum, Otterlo, na Holanda.   







leanders e Zola "Joie de Vivre", de 1888. Óleo sobre tela.
60 x 72 cm
O Metropolitan Museum of Art: dom og Sr. e Sra. John L. Loeb, 1962




                                                                        
A Poet's Garden, 1888. Óleo sobre tela. 73 x 92 cm
Lewis Coburn Larned Memorial Collection Sra. The Art Institute of Mr. and: Chicago





                     Auto-Retrato Dedicado a Paul Gauguin (Bonze), 1888. Óleo sobre tela. 62 x 52 cm
Fogg Art Museum, Harvard University Art Museums, Cambridge, Massachusetts: doação da coleção de Maurice Wertheim, classe de 1906





                                                     
         Allé des Tombeaux (Les Aluscamps), 1888. Óleo sobre tela.
89 x 72 cm
Private Collection         





             Night Café, 1888. Óleo sobre juta. 72 x 92 cm
Pushkin State Museum of Fine Arts, de Moscou       





                               
                    
           O olival, 1889. Óleo sobre tela. 74 x 93 cm
O Instituto de Artes Minneapolis: William Hood Fundo Dunwoody
                                           



                                                                        
                                Vista de Arles, Pomar em Flor
                                         Vincent van Gogh, 1889
                                                   óleo em tela
                                                    72 × 92 cm
                                                Nova Pinacoteca, Munique



Vincent_van_Gogh_The_Olive_Trees_(1889)







VanGogh-Noiteestrelada
Artista    Vincent van Gogh
Ano     1889
Tipo     óleo em tela
Dimensões     73,7 cm × 92,1 cm
Localização     Museu de Arte Moderna, Nova York



VanGogh02









A Vinha Encarnada
Vincent van Gogh, 1888
óleo em tela
75 × 93 cm
Museu Pushkin de Belas Artes, Moscou








                                       A Casa Amarela
                              Vincent van Gogh, 1888
                                         óleo em tela
                                      76 × 94[1] cm
                        Van Gogh Museum, Amsterdão




                              Noite Estrelada Sobre o Ródano
                                        Vincent van Gogh, 1888
                                        óleo em tela 72,5 × 92 cm
                                           Musée d'Orsay, Paris






                                 Retrato de Père Tanguy
                         Vincent van Gogh, outubro, 1887
                                       óleo em tela
                                        73 × 92 cm
                                Museu Rodin, Paris




A Cadeira de Van Gogh com Cachimbo
Vincent van Gogh, 1888 óleo em tela 93 × 73,5 cm
National Gallery

                             




A Cadeira de Gauguin
Vincent van Gogh, 1888 óleo em tela 90,5 × 72,5 cm
Museu Van Gogh
           Uma imagem de uma cadeira vazia, é mais do que simplesmente uma ilustração de uma peça de mobiliário não utilizado. É uma lembrança marcante da pessoa que costumava sentar naquela cadeira, uma imagem de algo diferente de si. Van Gogh sabia sobre o simbolismo mais que outros.




O café à noite na Place Lamartine
Vincent van Gogh, 1888óleo em tela 70 × 89 cm
Galeria de Arte da Universidade de Yale, New H




                             Campo de Trigo com Corvos
                                Vincent van Gogh, 1890
                                 óleo em tela 50,5 × 103 cm
                           Van Gogh Museum, Amsterdam



                              Os camponeses comendo batatas
                                   Vincent van Gogh, 1885
                                             óleo em tela
                                              82 × 114 cm
                                  Museu van Gogh, Amsterdã



 O Escolar (O Filho do Carteiro)
Vincent van Gogh, 1888
Óleo sobre tela 63 × 54 cm
Museu de Arte de São Paulo,
São Paulo





















































                                                                     
                                                                  
Doze girassóis numa jarra
Vincent van Gogh, agosto de 1888
óleo em tela
91 × 72 cm
Neue Pinakothek, Munique











































































                                   A Igreja de Auvers
                             Vincent van Gogh, 1890
                                       óleo em tela
                                         74 × 94 cm
                               Museu de Orsay, Paris



                                  Natureza Morta com Absinto
                                     Vincent van Gogh, 1887
                                     óleo em tela 46.5 × 33 cm
                                 Museu Van Gogh, Amsterdam  


                                                                                                                                                                                       
                       Retrato de Dr. Gachet (1ª versão)
                            Vincent van Gogh, 1890
                                  óleo em tela
                                    67 × 56 cm
                              Coleção particular











                                                                             


















                                                                                
                                                                             
                      


                  CÂNDIDO PORTINARI




Cândido Portinari Cândido Torquato Portinari

(Brodowski, 29 de dezembro de 1903 — Rio de Janeiro, 6
 de fevereiro de 1962) foi um artista plástico brasileiro. Portinari   pintou quase cinco mil obras—de pequenos esboços e pinturas de proporções padrões como O Lavrador de Café a gigantescos murais, como os painéis Guerra e Paz, presenteados à sede da ONU em Nova York em 1956 e que em dezembro de 2010, graças aos esforços de seu filho, retornaram para exibição no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Portinari hoje é considerado um dos artistas mais prestigiados do país e foi o pintor brasileiro a alcançar maior projeção internacional. Cândido Portinari nasceu em Brodowski em 29 de dezembro de 1903. Brodowski é um município brasileiro localizado na região nordeste do estado de São Paulo. Está localizado na latitude 21° Sul, e na longitude 47°39'33" oeste, a uma altitude de 861 metros. Possui área de 279,8 km², topografia constituída de terrenos altos e planos, clima subtropical e uma população estimada em 20.190 habitantes em 2008, está situado a 26 quilômetros de Ribeirão Preto. O Lavrador de Café O Lavrador de Café é uma obra de Cândido Portinari. Atualmente, pertence ao acervo do MASP. É uma pintura a óleo sobre tela 100 x 81 cm, datada de 1939. Roubo O quadro foi roubado em 2007, juntamente com a obra O Retrato de Suzanne Bloch de Picasso, e recuperado pela Polícia Civil do Estado de São Paulo, dezenove dias depois. Os quadros estavam em Ferraz de Vasconcelos, e foram devolvidos ao museu posteriormente. Guerra e Paz (Cândido Portinari) Guerra e Paz são dois painéis de, aproximadamente, 14 x 10 m cada um produzidos pelo pintor brasileiro Cândido Portinari, entre 1952 e 1956. Os painéis foram encomendados pelo governo brasileiro para presentear a sede da Organização das Nações Unidas (ONU) em Nova York, mas antes de partirem, em 1956, foram expostos numa cerimônia no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, que contou com a presença do então Presidente Juscelino Kubitschek. Os primeiros estudos para a obra surgiram em 1952, quando Portinari realizava uma outra encomenda, feita pelo Banco da Bahia, com a temática de retratar a chegada da família real portuguesa à Bahia. Com o auxílio de Enrico Bianco e de Maria Luiza Leão, os painéis Guerra e Paz foram pintados a óleo sobre madeira compensada naval. Enquanto um é uma representação da guerra, o outro representa a paz. Por seu trabalho com os painéis, Portinari foi agraciado em 1956 com o prêmio concedido pela Solomon Guggenheim Foundation de Nova York.[2] Naquela ocasião, o crítico de arte Mario Barata publicou a seguinte nota no Diário de Notícias: Cquote1.svg  Nunca, na arte moderna do mundo inteiro, um pintor viu as suas obras substituírem-se aos acorde de Wagner e Verdi, à fantasia dos ballets de Chopin, à majestade das orquestras sinfônicas.  Pela primeira vez no século XX, o maior teatro de uma cidade transforma-se em templo da pintura Cquote2.svg — Mario Barata Cinquenta e quatro anos depois, em dezembro de 2010, os painéis deixaram a sede da ONU e retornaram ao Brasil para uma restauração que ocorrerá no Palácio Gustavo Capanema, de fevereiro a maio de 2011, em ateliê aberto ao público. Graças aos esforços do Projeto Portinari, do Governo Federal, através do Ministério da Cultura e do Itamaraty, de inistituições internacionais e de empresas estatais e privadas, a obra será exposta no Brasil e no exterior até agosto de 2013, enquanto a sede da ONU sofrerá uma grande reforma. No retorno ao Brasil, contou com uma exibição franca que foi de 22 de dezembro de 2010 até 6 de janeiro de 2011, no Teatro Municipal do Rio de Janeiro.[5] A exposição foi visitada por mais de 40 mil pessoas.[6] Do Rio, os painéis seguirão um itinerário que deve passar pelo Grand Palais, em Paris, pelo Memorial da Paz de Hiroshima, no Japão, pelo Auditório Municipal de Oslo, onde ficarão expostos durante a entrega do Prêmio Nobel da Paz, e pelo Museu de Arte Moderna de Nova York. Pintando a guerra e a paz Assunto: Resenha: Ali mesmo, naquele palco, mas diante de JK, então presidente da República, essa obra de Portinari foi exposta pela primeira vez Repete-se assim a cena de 1956, quando ali mesmo, naquele palco, mas diante de Juscelino Kubitschek, então presidente da República, essa obra de Portinari foi exposta pela primeira vez. Volto no tempo, estou em duas épocas. Já no hall do teatro converso com Maristela, filha de JK. E lhe digo: “Você sabe que te vi meio menina, meio adolescente, lá no Palácio da Alvorada, correndo naqueles salões, quando lá ia cantar com o Madrigal Renascentista?”. Ela se emociona, e eu também. Agora está ali no camarote assistindo, como eu, à história ser reencenada. Já mostraram um filme rápido sobre os horrores da guerra. Milton Nascimento e seu grupo já cantaram, Ana Botafogo já dançou a coreografia que tematiza figuras pintadas por Portinari. Fernanda Montenegro já fez sua fala e os painéis (estupendos) estão ali no palco. Falou Luciano Coutinho, do BNDES, falou o chanceler Celso Amorim, historiando o esforço que o Brasil faz em favor do diálogo, e não da guerra. Até arriscou um comentário estético, indicando a possível influência de Paolo Ucello e ressaltando que o azul, que geralmente lembra a paz, foi posto ousadamente no quadro da guerra, e na parte da paz estão o vermelho e o laranja. Agora é a vez de João Portinari, filho do pintor, falar e agradecer. Ele menciona várias pessoas em seu discurso. Duas delas estão presentes e ajudaram Portinari a fazer os painéis: os pintores Enrico Bianco, de 94 anos, e Maria Luiza Leão. Ambos fazem parte da história da pintura brasileira. Ao final, o público foi convidado, em grupos de oito, a subir ao palco e ver de perto a obra monumental do pintor, que viveu para a pintura e morreu envenenado pelas tintas que usava em suas obras. Entre tantos artistas presentes, Carlos Bracher me diz que vai para a fila, pois tem que tocar e ver de perto a obra do mestre. Esse João Portinari é uma pessoa excepcional. Conheci-o na PUC Rio, em 1970. Ele havia regressado dos Estados Unidos com doutorado em matemática, mas jogou tudo para o alto e resolveu dedicar a vida à preservação da pintura e da memória do pai. Dentro daquela universidade, criou o Projeto Portinari, um modelo. Se todo descendente de artista tivesse esse desvelo pelas obras herdadas, o Brasil seria melhor e mais nosso. Esses dois painéis, por exemplo, vieram da ONU para serem restaurados aqui. Estarão expostos, durante o restauro, no famoso prédio do Ministério da Educação, que já reunia os talentos de Corbusier, Niemeyer, Lucio Costa, Portinari e outros. Depois percorrerá o mundo, pedagogicamente, expondo a arte brasileira. Inclusive acompanhado dos extraordinários tapetes feitos a partir do Guerra e paz pela família Dumont. Vocês sabem, são a mãe e os cinco filhos, originários lá de Pirapora, fazendo uma obra sem paralelo em nossa cultura. Essa obra de Portinari foi feita no pós-guerra, no tempo da Guerra Fria. Em nossa memória estava ainda vivo o horror do nazismo, do fascismo e das explosões atômicas em Hiroshima e Nagasaki. Mas surgia o sonho de conter a guerra e gerar a paz. Conseguimos? A obra de arte registra nossas perplexidades e anseios.








LEONARDO DA VINCI



               Leonardo da Vinci ( foi , uma das figuras mais importantes do Alto Renascimento, que se destacou como cientista, matemático, engenheiro, inventor, anatomista, pintor, escultor, arquiteto, botânico, poeta e músico.aviação e da balística. Leonardo frequentemente foi descrito como o arquétipo do homem do Renascimento, alguém cuja curiosidade insaciável era igualada apenas pela sua capacidade de invenção. É considerado um dos maiores pintores de todos os tempos e como possivelmente a pessoa dotada de talentos mais diversos a ter vivido. Segundo a historiadora de arte Helen Gardner, a profundidade e o alcance de seus interesses não tiveram precedentes e sua mente e personalidade parecem sobre-humanos para nós, e o homem em si [nos parece] misterioso e distante.
     Nascido como filho ilegítimo de um notário, Piero da Vinci, e de uma camponesa, Caterina, em Vinci, na região da Florença, foi educado no ateliê do renomado pintor florentino, Verrocchio. Passou a maior parte do início de sua vida profissional a serviço de Ludovico Sforza (Ludovico il Moro), em Milão; trabalhou posteriormente em Roma, Bolonha e Veneza, e passou seus últimos dias na França, numa casa que lhe foi presenteada pelo rei Francisco I.
Leonardo era, como até hoje, conhecido principalmente como pintor. Duas de suas obras, a Mona Lisa e A Última Ceia, estão entre as pinturas mais famosas, mais reproduzidas e mais parodiadas de todos os tempos, e sua fama se compara apenas à Criação de Adão, de Michelangelo. O desenho do Homem Vitruviano, feito por Leonardo, também é tido como um ícone cultural, e foi reproduzido por todas as partes, desde o euro até camisetas. Cerca de quinze de suas pinturas sobreviveram até os dias de hoje; o número pequeno se deve às suas experiências constantes - e frequentemente desastrosas - com novas técnicas, além de sua procrastinação crônica. Ainda assim, estas poucas obras, juntamente com seus cadernos de anotações - que contêm desenhos, diagramas científicos, e seus pensamentos sobre a natureza da pintura - formam uma contribuição às futuras gerações de artistas que só pode ser rivalizada à de seu contemporâneo, Michelangelo.
           Leonardo é reverenciado por sua engenhosidade tecnológica; concebeu ideias muito à frente de seu tempo, como um helicóptero, um tanque de guerra, o uso da energia solar, uma calculadora, o casco duplo nas embarcações, e uma teoria rudimentar das placas tectônicas. Um número relativamente pequeno de seus projetos chegou a ser construído durante sua vida (muitos nem mesmo eram factíveis), mas algumas de suas invenções menores, como uma bobina automática, e um aparelho que testa a resistência à tração de um fio, entraram sem crédito algum para o mundo da indústria. Como cientista, foi responsável por grande avanço do conhecimento nos campos da anatomia, da engenharia civil, da óptica e da hidrodinâmica.
        Leonardo da Vinci é considerado por vários o maior gênio da história, devido a sua multiplicidade de talentos para ciências e artes, sua engenhosidade e criatividade, além de suas obras polêmicas. Num estudo realizado em 1926 seu QI foi estimado em cerca de 180.




 Possível casa de infância de Leonardo,Anchiano.


          Mona Lisa (1503-1507—Louvre) é o retrato que mais tem rendido, em termos de literatura -tem dado origem a contos, romances, poemas e até mesmo óperas- e paródia -desde seu tempo, como a Monna Vanna de Salai- em toda a história da arte. Foi uma obra famosa desde o momento da sua criação; e inspirou muitos, como o jovem Rafael, que se embebedou nela. Seu sorriso sutil é visto em sua crueldade e tem sido considerado o implacável sorriso de mulher que escraviza os homens. Outros foram deslumbrados pelo seu encanto, pela sua doçura. Para o crítico Walter Pater, simboliza o "espírito moderno com todos os seus traços patogênicos", considerando como a "beleza extraída desde o interior, trabalhando a carne, célula por célula". Provocado pelo mestre no modelo com o toque do alaúde, como citado por Vasari: "Mona Lisa era muito bela e Leonardo, ao mesmo tempo que a pintava, procurava que tivesse alguém cantando, tocando algum instrumento ou brincando. Desta forma, o modelo foi mantido em um bom humor e não adotava um aspecto triste, cansado [...]".




Leonardo da Vinci.Retrato de Ginevrade´Benci, c.1474.
Medida atual 42 x 27 cm.
Pertencia à Galeria do Príncipe de Liechteinstein, em Valdus.
Aquisição em 1967, por preço não revelado, pela National
Gallery de Washington.
É a única pintura de Leonardo nas Amércas. Trata-se de uma
intelectual da época, que deixou-se retratar por Leonardo.
Esta pequena tela, não muito popular, reflete um certo
enigma entre o artista e o retratado, intrigando o espectador
                                A Virgem dos Rochedos
                                   Versão do Louvre
                                 (Primeira Versão)
                                      1483-1486 

                                                                                                                                                                                                                                                                                       








       Retrato de Cecília Gallerani, Dama com Arminho. É possível notar, na ponta dos dois dedos inferiores, retoques grosseiros, assim como na região esquerda do modelo, efeito de restaurações posteriores.
                                      


                  
           


                                     A ÚLTIMA CEIA


                                    

          Leonardo pintou ,A ÚLTIMA CEIA , um incrível trabalho, o mais sereno e distante do mundo temporal, durante anos caracterizado por conflitos armados, intrigas, preocupações e emergências. Ele a declarou como concluída, embora eternamente insatisfeito, e continuou trabalhando nela. Foi exposta a vista de todos e contemplada por muitos. Desde então ele foi considerado sem discussão como um dos primeiros mestres da Itália, senão o primeiro. Os artistas vinham de muito longe, para, no refeitório do convento de Santa Maria delle Grazie, analisar cuidadosamente a pintura, copiando-a e discutindo-a. O rei da França, ao chegar em Milão, acariciou a ideia impossível de remover o afresco da parede para levar para o seu país. Durante a sua realização inúmeras lendas foram tecidas em torno do mestre e seu trabalho. Os relatos de Bandello e Giraldi, dedicados a temas radicalmente diferentes, incluiem também a gênese de A Última Ceia.





A Anunciação de Leonardo da Vinci
1472-1475








Clos Lucé, na França, onde Leonardo viveu seus últimos anos de vida, até morrer em 1519.



Velhice, 1513-1519

    De setembro de 1513 a 1516 Leonardo passou a maior parte do seu tempo vivendo no Belvedere, no Vaticano, em Roma, período durante o qual Rafael e Michelangelo também estavam em atividade. Em outubro de 1515, Francisco I da França reconquistou Milão; Leonardo estava presente no encontro entre Francisco I e o Papa Leão X, em 19 de dezembro, ocorrido em Bolonha.
    Foi de Francisco que Leonardo recebeu a encomenda de construir um leão mecânico, que pudesse caminhar para a frente, e abrir seu peito, revelando um ramalhete de lírios. Em 1516 passou a trabalhar diretamente a serviço de Francisco, e foi-lhe concedido o solar de Clos Lucé, próximo à residência do rei, no Castelo de Amboise. Foi aqui que ele passou os três últimos anos de sua vida, acompanhado por seu amigo e aprendiz, o conde Francesco Melzi, e sustentado por uma pensão de totalizada 10.000 escudos.


 Estudos científicos
         Datado do ano 1490, um estudo das proporções humanas baseado no tratado recém-redescoberto do arquiteto romano Vitruvius. Leonardo debruçou-se sobre o que foi chamado o Homem Vitruviano, o que acabou se tornando um dos seus trabalhos mais famosos e um símbolo do espírito renascentista. O desenho reproduz a anatomia humana conduzindo eventualmente ao desígnio do primeiro robô conhecido na história que veio a ser chamado de O Robô de Leonardo.